Ansicht nach Raum A 072

Blättern, lesen, schreiben, zeichnen – die Nutzung von Büchern ist vielfältig. Sie sind sowohl Behälter von Wissen, als auch Schreib-, Mal und Zeichenoberfläche. Ihre Nutzung, die neben der zweidimensionalen Oberfläche von Papier oder Pergament auch das Nacheinander von Seiten und somit deren möglichen inhaltlichen Zusammenhang mitdenkt, soll in diesem Seminar anhand verschiedener Fallbeispiele näher untersucht werden. Dabei steht neben der Auseinandersetzung mit den einzelnen Werken insbesondere die Frage nach der Instrumentalisierung und/oder dem kreativen Umgang mit dem Medium Buch im Fokus. Die untersuchten Objekte werden Skizzen- und Zeichenbücher, Notizbücher und dezidierte „Künstlerbücher“ sein. Die Untersuchung soll die kontinuierliche Arbeit von Künstlern mit und am Buch, die Entwicklung von Buch“dimensionen“ in der europäischen (oder auch außereuropäischen) Kultur aufzeigen. Im Zusammenhang mit einem Forschungsprojekt werden die Studierenden an einem wissenschaftlichen Workshop beteiligt werden. Zu dessen Begleitung wird eine digitale Ausstellung geplant.

BA KuWi 2,3,5

Das Kolloquium richtet sich an Studierende des Masterstudiengangs Kunstwissenschaft, die ihre Masterarbeit in Absprache mit mir planen oder bereits angemeldet haben.

Dozentin: Livia Cardenas

Die politische und soziale Selbstdarstellung gesellschaftlicher und politischer Macht- Gruppierungen und einzelner Mächtiger ist insbesondere auf den Gebrauch von Bildmedien angewiesen. Dabei geht es um die Visualisierung von Legitimität, von gesellschaftlichen Normvorstellungen und Machstrukturen, aber auch um die Darstellung von gesellschaftlichem Rang oder kultureller Bedeutung. Unter diesen Gesichtspunkten nimmt das Seminar nicht nur verschiedene Bildgattungen unterschiedlicher zeitlicher Horizonte in den Blick, sondern auch differente Auftraggebergruppen, wie den Adel, religiöse Gemeinschaften, städtische Kommunen und Bürger. Es werden ausgewählte Beispiele untersucht und die formalen Bildmittel und inhaltlichen Bildargumentationen analysiert sowie die Macht- und Rollenfunktion der Bilder verglichen. 

Literatur:

Martin Warnke/Uwe Fleckner/Hendrik Ziegler (Hg.): Handbuch der politischen Ikonographie, 2 Bde., München 2011.

Carlo Ginzburg: Repräsentationen. Das Wort, die Vorstellung, der Gegenstand, in: Holzaugen. Über Nähe und Distanz, S. 97-119

BA KuWi 2 und 5, MA-KuWi 1

Mit der Eröffnung des Humboldt-Forums im teilrekonstruierten Berliner Schloss 2021 wurde eine Sammlungstradition wiederaufgenommen, die an diesem Ort bis ins späte Mittelalter zurückreicht. Den Kontinuitäten stehen ungleich tiefere Brüche und Veränderungen gegenüber, die besonders in den jüngsten öffentlichkeitsprägenden Debatten um die Einrichtung des Gebäudes hervortreten. Im Seminar geht es allerdings darum, zunächst Abstand zu den tagespolitisch geprägten Polemiken zu gewinnen und vielmehr die komplexe Geschichte sowohl des betroffenen lokalen Stadtraums als auch der Kunst- und Kulturgüter nachzuvollziehen, die hier zusammengetragen und präsentiert wurden. Dazu gehören die Entstehung des historischen Burg-/Schlossgebäudes und der kurfürstlichen Kunstsammlung, die Transformation der Kunstkammer zu Teilsammlungen der verschiedenen Berliner Museen, die Umnutzung, Zerstörung und Wiedergewinnung des Gebäudes sowie die (Neu-)Ordnung und Verortung der Sammlungsbestände – ethnologische Objekte ebenso wie Mobiliar, Gemälde und andere Kulturgüter. Ziel ist es, fundierte Positionen zu den schwer oder kaum lösbaren gesellschaftlich-politischen wie musealen Herausforderungen des neuen Schloss-Museums zu gewinnen.

Das Seminar umschließt drei einzelne Exkursionstage: zu beiden Standorten des Kunstgewerbemuseums der SMB und zum Humboldt-Forum. Dadurch bedingt sich die maximale Teilnehmerzahl von 15 Studierenden.

MA KuWi 1, 3b, 4, 5, 6b, 7b

im Seminarraum A072

Literatur:

Christian Walter, Des Kaisers Nachmieter. Das Berliner Schloss zwischen Revolution und Abriss, Berlin 2021

Dortje Fink u. a. (Hg.), (Post)Kolonialismus und kulturelles Erbe. Internationale Debatten im Humboldt Forum, München 2021

Bernhard Wolter u. a. (Hg.), Das Humboldt Forum im Berliner Schloss, München/ London/ New York 2020

Eva Dolezel, Der Traum vom Museum. Die Kunstkamer im Berliner Schloss um 1800 – eine museumsgeschichtliche Verortung, Berlin 2019

Barbara Mundt, Museumsalltag vom Kaiserreich bis zur Demokratie. Chronik des Berliner Kunstgewerbemuseums, Köln/ Weimar/ Wien 2018

Goerd Peschken u. a., Das Berliner Schloß, 2. Aufl., Frankfurt a. M. 1991

Das Wesen der Glasmalerei ist in vielerlei Hinsicht besonders. Die bunt gefärbten und bemalten Glasscherben, die über Bleiruten zu einem größeren Mosaik verbunden sind, fungieren gleichzeitig als Farbträger und Malgrund. Anders als bei sonstigen Gattungen der Malerei entspricht der Malgrund der Lichtquelle, die Farben werden über das sie durchdringende Licht aktiviert und leuchten aus sich selbst heraus – ein Umstand, der diesem Medium in hochmittelalterlicher Zeit herausragende Würdigung einbrachte und in theologischen Schriften wiederholt als symbolischer Ausdruck Gottes gedeutet wurde. Diese jeden noch so prachtvoll angelegten Goldgrund übertreffende Intensität haben die meisten Glasmalereien trotz häufig großer Bestandsverluste, Beschädigungen und Standortwechsel erhalten. Ein Großteil der glasmalerischen Arbeiten ist in besonderem Maße mit seiner umgebenden Architektur verbunden. Die Glasfelder stellen in ihrer Zusammensetzung eines ganzen Fensters zugleich wandbildende Materie dar, beeinflussen durch ihre lichtmodellierende Wirkung die Wahrnehmung des Innenraums und sind ebenso Vermittler bildlicher Inhalte: sie zeigen monumentale Figuren Heiliger in Fantasiearchitekturen, bestechen mit reicher Ornamentik oder schildern ausführliche biblische Zyklen in Form ganzer Kathedralfenster oder in Serien kleiner Kabinettscheiben. Praktische und künstlerische Funktion gehen hier Hand in Hand.

Das Seminar wird einen Überblick über diese facettenreiche Kunstgattung geben und in die Geschichte der mittelalterlichen Glasmalerei im deutschsprachigen Raum einführen. Die Herstellung sowie mit der Zeit zunehmend spezialisierte Gestaltungstechniken des Mediums, seine Gattungen, materielle Bedeutung und die historische Rezeption werden kennengelernt. Dabei üben wir Grundlagen der kunsthistorischen Objekterschließung, das genaue Hinsehen und Beschreiben eines Werks, exzerpieren Fachliteratur und analysieren und bewerten historische Quellen. Über die Beschäftigung mit verschiedenen Glasmalereibeständen des Mittelalters, sowie deren Formen und Motiven, werden darüber hinaus Grundkenntnisse der christlichen Ikonografie vermittelt.

Zusätzlich sollen die Tätigkeitsfelder des Corpus Vitrearum Medii Aevi (CVMA), eines internationalen Projektes, das sich mit der Erfassung und Erforschung mittelalterlicher Glasmalerei beschäftigt und sich auch für deren virtuelle Repräsentation engagiert, vorgestellt werden und mithilfe der digitalen Angebote des Projekts einzelne Objektstudien vorbereitet werden.

Ein ganztägiger Ortstermin in Brandenburg a. d. Havel, bei dem der Dom St. Peter und Paul sowie die Kirche St. Pauli mit ihren Glasmalereibeständen besichtigt werden sollen, und Besuche der glasmalerischen Sammlungen des Märkischen Museums und des Kunstgewerbemuseums ergänzen das Programm. 

Die Teilnahme ist aufgrund der Ortstermine auf 15 Plätze beschränkt.

BA-KulT KUWI 2, BA-KulT KUWI 6, BA-KulT KUWI 7, FW

im Seminarraum A072

Einführende Literatur

Rüdiger Becksmann: Deutsche Glasmalerei des Mittelalters. Voraussetzungen,

Entwicklungen, Zusammenhänge (= Deutsche Glasmalerei des Mittelalters, Bd. 1), Berlin, 1995.

Ute Bednarz u. a.: Die mittelalterlichen Glasmalereien in Berlin und Brandenburg (= CVMA Deutschland XXII), Berlin 2010, 2 Bde. [https://corpusvitrearum.de/publikationen/editionen/editionen/cvma-xxii.html].  

Elizabeth Carson Pastan und Brigitte Kurmann-Schwarz (Hrsg.): Investigations in Medieval Stained Glass. Materials, Methods, and Expressions (= Reading Medieval Sources, Bd. 3), Leiden / Boston 2019.

Corpus Vitrearum Deutschland: Mittelalterliche Glasmalereien im Kontext [https://corpusvitrearum.de/glasmalerei-im-kontext.html] 

Eva Frodl-Kraft: Die Glasmalerei. Entwicklung, Technik, Eigenart, Wien / München 1970.

Hiltrud Westermann-Angerhausen u. a. (Hrsg.): Himmelslicht. Europäische Glasmalerei im Jahrhundert des Kölner Dombaus (1248–1349), Ausst.-Kat., Schnütgen-Museum in der Josef-Haubrich-Kunsthalle in Köln 1998, Köln 1998.

In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts experimentierten viele Florentiner Künstler:innen mit Materialien, Techniken, Ikonografien und Gattungen; sie fanden neue, überraschende Lösungen, nahmen aber auch frühere Ideen wieder auf. Donatello, dem die am 1. September 2022 eröffnete Sonderausstellung in der Gemäldegalerie gewidmet ist, war bei seinen Experimenten besonders einfallsreich. Seine Reliefs beispielsweise zeigen malerische Effekte, die der Plastizität als Gattungsmerkmal der Bildhauerei zu widersprechen scheinen. Gleichzeitig bemüht sich die zeitgenössische Malerei um eine intensive plastische Wirkung. Das führt zu der Frage, in welchem Verhältnis Donatellos Arbeiten zur Malerei seiner und der früheren Zeit stehen – und wie Maler:innen mit Donatellos Erfindungen umgingen. Anhand von Objekten in der Ausstellung „Donatello. Erfinder der Renaissance“ und der Gemäldegalerie untersucht das BA-Seminar diese und verwandte Fragestellungen. Im Rahmen des Seminars sollen aus den Referaten kurze Wikipedia-Artikel zu den besprochenen Werken entstehen.

Ein Teil der Seminarsitzungen wird zu Blockterminen konzentriert.

Mindestens zwei Blocktermine

beschränkte Teilnehmer:innenzahl: 12 Personen (wg. Ausstellungsbesuchen)

BA Kuwi 2, 4, 5

Mit dem Begriff des Historismus, der in der Architekturgeschichte 1929 in Wasmuths Lexikon der Baukunst zur Charakterisierung der Bauperiode zwischen Klassizismus und Jugendstil begegnet, verbindet sich die Verwendung historischer Stile ebenso wie der Stilpluralismus. Damit entstanden die sogenannten Neo-Stile wie „Neugotik“, „Neuromanik“, „Neo-Renaissance“, „Neubarock“ und „Neo-Klassizismus“, die der Architekturkritiker Adolf Behne, als „konservierte“ Stile bezeichnete.

Das Seminar untersucht die Beweggründe für die bewusst gewählten Rückgriffe in der Architektur des späteren 19. und des frühen 20. Jahrhunderts sowie die Art und Weise der Anwendung historischen Formvokabulars und deren Bedeutung in der Entwicklung neuer Bauaufgaben wie beispielsweise Bahnhöfe, Fabriken oder auch Hochhäuser. Zugleich richtet sich der Blick auf die verwendeten Materialien, die – im Gegensatz zu den gewählten Formen – nicht selten zeitgemäß, ja: modern waren.

Im Zentrum des Seminars steht der Zeitraum zwischen 1870 und 1918. Doch dieser ist nicht voraussetzungslos, so dass auch der Weg dorthin in den Blick genommen werden wird: Zu denken ist an den Aufsatz von Heinrich Hübsch „In welchem Stile wollen wir bauen“ (1828).

BA KuWi 3, FW

Literatur zur Vorbereitung:

Michael Brix/Monika Steinhauser (Hrsg.), „Geschichte allein ist zeitgemäss“. Historismus in Deutschland, Gießen 1978.

Annette Wittkau-Horgby, Historismus, Göttingen 1992 (URL: https://download.digitale-sammlungen.de/pdf/16579863576869bsb00044463.pdf)

Hermann Fillitz, Der Traum vom Glück. Die Kunst des Historismus in Europa (2 Bde), Wien 1997.

Seminarraum A072

Die Zeichnung gilt wahlweise als Mutter oder Vater aller Künste. Seit der frühen Neuzeit gibt es kaum ein Werk, das nicht auf vorbereitenden Zeichnungen basiert: Hier wurden Bilderfindungen erprobt, Details erarbeitet, mustergültige Lösungen festgehalten, Ideen und Projekte vorgestellt. Zugleich konnte sich die Zeichnung als Medium eigenen Rechts etablieren; sie war nicht mehr nur Arbeitsbehelf im Werkprozess, sondern trat gleichberechtigt neben die anderen Bildgattungen. Sie erlangte sogar insofern eine Sonderstellung, als man ihr eine Unmittelbarkeit im Ausdruck zuschrieb, in der man die Hand des schöpferischen Individuums zu erkennen glaubte.

Das Seminar beschäftigt sich epochenübergreifend mit der Theorie, den Erscheinungsformen und den Funktionen des Mediums. Dabei soll die Idee vom unmittelbaren Ausdruck kritisch hinterfragt und zugleich die Rolle von Zeichenmaterialien, Zeichentechniken und Aufgabenstellungen in den Fokus gerückt werden. Etwa die Hälfte der Termine wird im Seminarraum, die andere Hälfte im Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen stattfinden, wo wir unsere Überlegungen vor den Originalen überprüfen wollen. Die Museums-Termine sind dreistündig (bitte genügend Zeit für Wege zwischen den Veranstaltungsorten einplanen!), die übrigen zweistündig; die Differenz wird durch die Anzahl der Sitzungen ausgeglichen.

MA Kuwi 1, Kuwi 6a

im Seminarraum A072

Aufgrund der Regelungen des Kupferstichkabinetts ist das Seminar auf 13 Teilnehmer*innen beschränkt

Bis heute prägt die Kunst der italienischen Renaissance das europäische Kunstverständnis grundlegend. Sind auch die Traditionslinien in Form und Ikonographie längst hinterfragt und zum Teil aufgelöst, sind unter der Oberfläche viele Grundmuster bestehen geblieben: Das meist fragmentierte allgemeine Wissen über Künstler und Werke, über Prinzipien der Gestaltung und der Ästhetik rekurriert meist direkt oder indirekt auf die vor allem in Florenz, Venedig und Rom zwischen 1350 und 1550 hervorgebrachten Kulturleistungen – materiell und literarisch. Das Seminar hat drei Ziele: Zum einen sollen Begriff und Gegenstand der italienischen Renaissance umrissen werden – um welche Künstler, welche Werke geht es, was waren die Rahmenbedingungen und welche Vorstellung von Kunst gab es in der Epoche selbst? Zweitens geht es um die spätere Adaption und Erforschung der italienischen Renaissance – sei es in der bildenden Kunst der folgenden Jahrhunderte, sei es in der Kunstkritik und der Kunstwissenschaft. Das dritte Ziel ist ein methodisches: Wie lässt sich zu den teils extrem weitläufigen Themen und Begriffen ein konstruktiver Zugang gewinnen? Geübt wird dazu das vergleichende Betrachten und Einordnen der Werke mit Hilfe von Quellen und wissenschaftlichen Texten, um das kunstwissenschaftliche Verstehen einzelner Werke und größerer Zusammenhänge zu ermöglichen.

KuWi BA 2,3,5

Literatur:

Eberhard König, Hauptkräfte der Renaissance, in: Ders. (Hg.), Die großen Maler der italienischen Renaissance. Der Triumph der Zeichnung, Potsdam 2007, S. 10-39

Manfred Wundram, Renaissance (Kunst-Epochen, 6), Stuttgart 2019 (Erstausg. 2004)

Bernd Roeck, Der Morgen der Welt. Geschichte der Renaissance, 2. Aufl., München 2018

Matteo Burioni/ Sabine Feser (Hg.), Giorgio Vasari: Kunstgeschichte und Kunsttheorie. Eine Einführung in die Lebensbeschreibungen berühmter Künstler. Neu übersetzt und kommentiert von Victoria Lorini

Mikkel Mangold u. a. (Hg.), Jacob Burckhardt: Die Cultur der Renaissance in Italien. Ein Versuch, München 2018 (Erstausg. 1858)

Horst Bredekamp u. a. (Hg.), Aby Warburg: Die Erneuerung der heidnischen Antike, 2 Bd.e, Berlin 1998 (Erstausg. 1932)

Udo Kultermann, Geschichte der Kunstgeschichte. Der Weg einer Wissenschaft, München/ New York 1996

Was erzählen uns Straßennamen und Denkmäler über die Stadtgeschichte? In diesem Seminar stürzen wir uns in den urbanen Raum um die TU und entwickeln gemeinsam Vermittlungskonzepte zur Erinnerungsgeschichte Charlottenburgs. 

In den vergangenen drei Semestern haben Studierende zu problematischen Kontexten von Straßennamen und Denkmälern recherchiert. Diese spannenden Ergebnisse sollen nun zu nachhaltigen Vermittlungsstrategien führen. Ausgehend von der nationalsozialistischen Geschichte der Siegessäule über den Kolonialpolitiker Bismarck, antisemitische Komponisten und der fehlenden Sichtbarkeit von FLINTA+ werden Podcasts, Zines, Audiowalks und ein Quartett entwickelt.

Dafür möchten wir mit anderen Projektwerkstätten der TU zusammenarbeiten, die sich künstlerisch mit dem urbanen Raum auseinandersetzen. 

Freie Wahl für Studierende des BA-Studiengangs

Im Seminarraum A072

Im Dommuseum Hildesheim findet von September 2022 bis Februar 2023 die Ausstellung “Islam in Europa. 1000-1250” statt, in der die Verflechtungen dieser zwei Kulturräume im Mittelalter durch internationale Leihgaben thematisiert werden. Im Rahmen dieser Ausstellung und in Kooperation mit dem Dommuseum befasst sich das Seminar mit der Geschichte von Ausstellungen “islamischer" Kunst des “Mittelalters” im 20. und 21. Jahrhundert. Von der großen Schau “Meisterwerke muhammedanischer Kunst” (München, 1910) ausgehend, werden wir anhand ausgewählter Ausstellungs- und Objektbeispiele die Herausforderungen der kunsthistorischen Einordnung und Periodisierung von mittelalterlicher Objekten “islamischer Prägung” analysieren und die vielseitigen Aspekte ihrer musealen Präsentation in einem temporären Kontext untersuchen. Die Teilnahme an der Tagesexkursion nach Hildesheim (Mittwoch, 25. Januar 2023) wird von allen Seminarteilnehmenden erwartet.

Literatur

Thomas Bauer, Warum es kein islamisches Mittelalter gab. Das Erbe der Antike und der Orient, München 2018.

Wolfgang Brückle, Pierre Alain Mariaux, Daniela Mondini (Hrsg.), Musealisierung mittelalterlicher Kunst: Anlässe, Ansätze, Ansprüche, Berlin/München 2015.

Andrea Lermer und Avioam Shalem (Hrsg.), After One Hundred Years. The 1910 Exhibition "Meisterwerke muhammedanischer Kunst" Reconsidered, Islamic History and Civilization 82, Leiden 2010.

Wendy M. K. Shaw, What is “Islamic” Art? Between Religion and Perception, Cambridge 2019.

Tagesexkursion im Rahmen des Seminars am Mittwoch, den 25. Januar

MA-KuWi 1, MA-KuWi 3b, MA-KuWi 5, MA-KuWi 6b

in Kooperation mit dem Dommuseum Hildesheim

Organische Architektur stellt eine Strömung dar, die sich innerhalb der Moderne unabhängig von puristischem Funktionalismus, Rationalismus und Konstruktivismus entwickelt hat. Ihre Spielarten manifestieren sich in mannigfaltigen Ausprägungen und reichen von Antoni Gaudís Suche nach der inneren Struktur der Natur über Frank Lloyd Wrights Prairiehäuser, die organhaften Bauwerke Hugo Härings bis hin zu Kenzo Tanges Tokyo Bay Megastructure. Die Aktualität des ontologisch begründeten Funktionalismus organischer Architekturkonzepte erweist sich auch innerhalb der Postmoderne als ungebrochen und spiegelt sich heute unter anderem in den Werken Santiago Calatravas und Zaha Hadids wider.

Der Begriff Organische Architektur beschreibt dabei diverse Facetten einer ars imitatur naturam, die sich weniger formal verstehen lassen, als vielmehr durch die ihnen zu Grunde liegenden bionischen Konstruktionsprinzipien sowie der ganzheitlichen Betrachtung des Menschen als geistigem und emotionalem Wesen gekennzeichnet sind. Das Seminar soll diesen seit Beginn des 20. Jahrhunderts geführten Diskurs verfolgen, dessen Ausprägungen erfassen und seine Hintergründe beleuchten. Ziel wird es dabei sein, die zunächst heterogen erscheinende Strömung durch die Analyse ihrer inneren Zusammenhänge zu begreifen, um so gemeinsam ein klareres Bild einer nach wie vor wegweisenden architektonischen Strömung zu entwickeln.

MA KuWi 2, 4, FW

Seminarraum A072

Literaturhinweise

Brinitzer, Sabine: Organische Architekturkonzepte zwischen 1900 und 1960 in Deutschland: Untersuchungen zur Definition des Begriffs organische Architektur, Frankfurt am Main [u.a.] 2006.

Gans, Deborah: The organic approach to architecture. Chichester [u.a.] 2003.

Geiger, Annette, Stefanie Hennecke, Christin Kempf [Hrsg.]: Spielarten des Organischen in Architektur, Design und Kunst, Berlin, 2004.

Klack, Gunnar: Gebaute Landschaften. Fehling + Gogel und die Organische Architektur: Landschaft und Bewegung als Natur-Narrative, Bielefeld 2015.

Ree, Pieter van der, Organische Architektur: Der Bauimpuls Rudolf Steiners und die Organische Architektur im 20. Jahrhundert. Stuttgart 2001.

Schon Giorgio Vasari hatte den Wert der Korrespondenzen von Künstlern erkannt und genutzt, sie sind fester Bestandteil der Kunstliteratur und eine der wichtigsten Arbeitsgrundlagen von Kunsthistorikern. Dabei sind Briefe eine ebenso reiche wie problematische Quellengattung: Einerseits ist das Selbstzeugnis des Künstlers oft besonders detailliert, kontextualisierend und unmittelbar. Auf der anderen Seite kann dasselbe Dokument manipulativ sein, fragmentarisch oder inkonsistent. Im Fokus stehen vorwiegend deutsche, einzelne französische und italienische Briefe aus der Zeit um 1800 – der Schwelle zur Moderne – von Akademie- und Hofkünstlern, Schülern und Unabhängigen, von Malern und Architekten. Entsprechend breit ist das Spektrum der Adressaten: von Familienmitgliedern über Künstlerkollegen, Auftraggebern und Vorgesetzten bis hin zu einer breiten Öffentlichkeit.

Das Seminar führt an den Quellentyp heran und vermittelt Basiskenntnisse zu Methodik und Arbeitsweise von Historiker*innen, die auch für die Kunstwissenschaft grundlegend sind. Dazu gehört neben der Beschäftigung mit den Briefen selbst auch die Bearbeitung der Fachliteratur mit Blick auf Wissenschaftsgeschichte und Editionswesen.

MA KuWi 1, 2, 3a

im Seminarraum A072

Einführende Literatur:

Wolfgang Maaz, Was heißt und zu welchem Ende studiert man historische Quellen? Fragestellungen und Beobachtungen zur kunsthistorischen Editionspraxis, in: Zeitschrift des deutschen Vereins für Kunstwissenschaft 62 (2008), S. 276-283

Annegret Janda, Schriftliche Quellen zur bildenden Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts: die Sammlung der Künstlerbriefe in der National-Galerie der Staatlichen Museen zu Berlin, in: Forschungen und Berichte 20/21 (1980), S. 421-450

Wolfgang Bunzel, Briefnetzwerke der Romantik. Theorie – Praxis – Edition, in: Anne v. Bohnenkamp/Elke Richter (Hg.), Brief-Edition im digitalen Zeitalter (editio, Beihefte, 34), Berlin/Boston 2013, S. 109-131

Irmtraud Schmid, Briefe, in: Friedrich Beck (Hg.), Die archivalischen Quellen: mit einer Einführung in die historischen Hilfswissenschaften, 5. Aufl., Köln u.a. 2012, S. 125-134

Wer Kunstgeschichte studiert – auch im Rahmen eines übergreifenden Studienganges wie „Kultur & Technik“ –, sollte sich mit den Methoden des Faches auseinandersetzen. Namen wie Erwin Panofsky, Heinrich Wölfflin, Aby Warburg, Hans Belting und Wolfgang Kemp haben einige schon einmal gehört. Doch ist damit nicht zwingend die Lektüre ihrer Schriften bzw. eine Auseinandersetzung mit ihren Gedanken verbunden.

Das Seminar versteht sich als Einführung in kunstgeschichtliche Methoden und Ansätze: Es spannt den Bogen von den „Klassikern der Kunstgeschichte“ wie Formgeschichte, Ikonologie und Ikonografie über die jüngeren Ansätze der Rezeptionsästhetik und Bildanthropologie bis hin zu den Gender Studies und den Postcolonial Studies.

Im Zentrum steht die kritische Reflexion kunstwissenschaftlicher Methoden auf der Basis ausgewählter Texte. Denn ein Kunstwerk ermöglicht verschiedene Zugänge, sprich: die Wahl der Methode bestimmt Argumentation und Erkenntnisgewinn.

BA Kult KuWi 4

Einführende Literatur:

Belting, Hans u.a.: Kunstgeschichte. Eine Einführung, Berlin 1986.

Brassat, Wolfgang/Kohle, Hubertus: Methoden-Reader Kunstgeschichte. Texte zur Methodik und Geschichte der Kunstwissenschaft, Köln 2003.

Busch, Werner (Hg.): Funkkolleg Kunst. Eine Geschichte der Kunst im Wandel ihrer Funktionen (Neuausgabe), München 1997.

Dilly, Heinrich (Hg.): Altmeister moderner Kunstgeschichte, Berlin 1990.

Zimmermann, Anja (Hg.): Kunstgeschichte und Gender. Eine Einführung, Berlin 2006.

Art exhibitions are a regular and customary feature in today’s cultural life. From great blockbuster to touring exhibitions through small independent productions, art exhibitions thrive in museums, galleries, cultural sites, incessantly fuelling our tourism and leisure industry. This seminar will address the historical evolution and present reality of art exhibitions in the European context. Focusing on European art, we will consider different exhibition formats (such as monographic, anthologic, online) through visual and textual sources. The aim of the seminar is, on the one hand, to acquire the critical tools to analyse the – sometimes hidden – vocabulary of an art exhibition, as well as an awareness of its historical evolution. On the other hand, we will address the problematic issues and controversies related to the exhibition system from its inception in the XIX century to the present day.

NOTE: The temporary programme includes the presence of external speakers for single thematic sessions and a visit to an ongoing exhibition in Berlin.

BA KuWi 3 und 5 

begrenzte Teilnehmerzahl: 25 Teilnehmer:innen

Suggested readings:

Francis Haskell, The ephemeral museum: Old Master Paintings and the Rise of the Art Exhibition, New Haven: Yale University Press, 2000 

Bruce Altshuler, Exhibitions that Made Art History, 2 vols., London: Phaidon Press Limited, 2008 and 2013

Maia Wellington Gahtan and Donatella Pegazzano, Monographic Exhibitions and the History of Art, New York; London: Routledge, Taylor & Francis Group, 2018

Tn.-Beschänkung: None

In den letzten Jahren wurden viele Projekte zur Provenienzforschung von Sammlungen aus kolonialen Kontexten in Deutschland durchgeführt, und dementsprechend Berichte veröffentlicht. Gleichzeitig entwickelte sich eine Theorie der „postkolonialen“ Provenienzforschung, die heutzutage immer noch im Wandel ist.

Dieses Seminar beschäftigt sich mit den Grundlagen und Ansätzen dieses Forschungsfeldes. Es geht hier um folgende Fragen: Welche Gemeinsamkeiten haben diese Berichte? Können Unterschiede, ja sogar eine Evolution in der Sprache und Methodik beobachtet werden? Was ist eine Objektbiografie und inwieweit ist dieses Format für Kontexte der kolonialen Aneignung geeignet? Wie fügen sich Verflechtungen mit naturhistorischen und anderen Sammlungstypen in solche Forschungen ein? Welche Rolle spielt die transnationale Zusammenarbeit mit betroffenen Akteur*innen? Gibt es noch Mängel und Ungleichheiten in diesen internationalen Konstellationen, die noch behoben werden müssen? Wie kann man methodisch mit sensiblem Material wie Fotografien oder rassistischer Sprache umgehen?

Aufgepasst: In diesem Seminar werden schwierige Themen wie Völkermord, koloniale Gewalt und rassistische Sprache behandelt. Wenn sie das Bedürfnis verspüren, ermutigt der Kursleiter die Studierenden, ihm ihre Empfindlichkeiten vorher per E-Mail mitzuteilen.

BA KuWi 3 und 4

im Seminarraum A072

Literatur (u.a.):

Förster, Larissa, Iris Edenheiser, Sarah Fründt, and Heike Hartmann. 2017. Provenienzforschung zu ethnografischen Sammlungen der Kolonialzeit. München: Museum Fünf Kontinente.

Grimme, Gesa. 2018. Provenienzforschung im Projekt „Schwieriges Erbe: Zum Umgang mit kolonialzeitlichen Objekten in ethnologischen Museen“. Stuttgart: Linden Museum - Staatliches Museum für Völkerkunde.

Jengo, Elias. 2018. "Artistic Merits of Some Appropriated Tanzanian Artifacts at the Ethnologisches Museum, Berlin." In Humboldt Lab Tanzania - Objects from the Colonial Wars in the Ethnologisches Museum, Berlin - A Tanzanian-German Dialogue, edited by Lili Reyels, Paola Ivanov and Kristin Weber-Sinn, 208-220. Berlin: Dietrich Reimer Verlag.

Splettstößer, Anne. 2019. Umstrittene Sammlungen. Vom Umgang mit kolonialem Erbe aus Kamerun in ethnologischen Museen, Göttinger Studien zu Cultural Property. Göttingen: Universitätsverlag Göttingen.

Eine Sonderausstellung ist – insbesondere, wenn sie aus einer internationalen Kooperation hervorgeht und an mehreren Standorten gezeigt wird – eine gewaltige organisatorische, logistische und kommunikative Leistung. Gleichzeitig ist sie Resultat, Schaufenster und Motor kunstwissenschaftlicher Forschung. Sie lädt deshalb nicht nur zur Bewunderung der zusammengetragenen Objekte ein, sondern fordert auch zur Auseinandersetzung mit ihren Fragestellungen, mit Narrativen und Thesen auf.

Das Seminar befasst sich mit der am 1. September eröffneten Ausstellung „Donatello. Erfinder der Renaissance“. Ziel ist es, gemeinsam Kategorien für eine möglichst facettenreiche Ausstellungskritik zu erarbeiten. Ein Teil der Seminarsitzungen wird zu mehreren Blockterminen konzentriert.

Mindestens zwei Blocktermine

beschränkte Teilnehmer:innenzahl: 12 Personen (wg. Ausstellungsbesuchen)

MA/KuWi 1, 3a, 3b, 4, 6a, 7b

Das Wandern zu Heiligtümern im Dienste der persönlichen oder kollektiven Frömmigkeit zählte im Mittelalter und der frühen Neuzeit zu den wichtigsten Glaubenszeugnissen, die ein Mitglied der christlichen Gemeinschaft erbringen konnte. Grundlage für jede Pilgerreise waren Wallfahrtszentren, also sakrale Orte von besonderer spiritueller Bedeutung. Für ihre Anziehungskraft sorgten zumeist Reliquien, die körperlichen Überreste einer heiligen Person, oder Gebrauchsgegenstände, die in besonderer Verbindung zu jener Person standen und in Heiligengräbern und Reliquienschreinen aufbewahrt sowie zu besonderen Anlässen präsentiert wurden. Mit diesen Objekten verband sich die Vorstellung, dass ihnen und ihren beherbergenden Orten übernatürliche Mächte innewohnten, deren heilende und wunderwirkende Kraft sich durch Verehrung vor Ort und durch die vorausgegangene, oftmals beschwerliche asketische Reise aktivieren ließ. Die Förderung des persönlichen Seelenheils stand jedoch im Zentrum der Reiseunternehmungen. Im historischen Sinne war der Vollzug einer christlichen Pilgerreise immer als ein Ausdruck religiöser Demut zu verstehen. Neben den großen Wallfahrtsorten in Jerusalem, Rom und Santiago de Compostela, entwickelten sich im Mittelalter auch im mittelnordeuropäischen Raum zahlreiche Pilgerzentren. Kirche sowie Landesherren förderten die Wallfahrten im Sinne eines infrastrukturellen Ausbaus ihrer Einflussgebiete. 

Noch heute zeugen zahlreiche Ausstattungsobjekte der Kirchenräume, wie Altarretabel, Chorgestühl oder Glasmalereien, aber auch Votivgaben, archäologische Funde und verschiedene schriftliche Quellen, unter ihnen Ablassbriefe, Testamente oder Reiseberichte, von der mittelalterlichen Frömmigkeit und Stifterpraxis der Menschen in den Wallfahrtsorten. Die Bandbreite reicht hierbei von kleineren Spenden bis zu wertvollen Bildwerken und Kirchenausstattungen, deren Stiftung sich häufig mit repräsentativen Zwecken verband.

Das Seminar versucht anhand exemplarischer Objekte und Textquellen dem Phänomen Wallfahrt auf die Spur zu kommen. Dabei werden wir uns vor allem auf Wallfahrtszeugnisse des mittel- und norddeutschen Raums konzentrieren. Gemeinsam wollen wir diese Zeugnisse einstiger Wallfahrtsorte, darunter Ausstattungsstücke der Bauwerke, liturgisch genutzte Objekte und Reliquiare, Votivgaben oder ‘Souvenirs’ sowie Darstellungen von Pilgern und Kultobjekten kennenlernen. Zu einem besseren Verständnis der letztgenannten Kategorie soll uns außerdem die Beschäftigung mit der Pilgerzeichen-Datenbank (https://pilgerzeichen.de) verhelfen – das Projekt erschließt die kleinen, meist gegossenen Abzeichen, die in den Wallfahrtsorten erworben werden konnten und auf die Pilgertracht aufgenäht wurden, sowie deren bildliche Darstellungen. Aufgrund der diversen Palette an Werktypen, über die wir innerhalb des Seminars zumeist in objektmonografischer Annäherung sprechen werden, können grundlegende Kenntnisse zu verschieden Materialien, Herstellungsverfahren, Funktionsbestimmungen sowie zu ikonografischen Motiven von Kunst- und Kulturgütern des Mittelalters und der frühen Neuzeit erworben werden. 

Mehrere der Seminarsitzungen werden voraussichtlich in Berliner Museen vor Originalen stattfinden. Die Teilnahme ist daher auf 15 Plätze beschränkt.

BA-KulT KUWI 2, BA-KulT KUWI 5, MA-KuWi 1, MA-KuWi 4, FW

im Seminarraum A072

Einführende Literatur

Enno Bünz u. a. (Hrsg.): Alltag und Frömmigkeit am Vorabend der Reformation in Mitteldeutschland, Ausst.-Kat., Mühlhäuser Museen in Mühlhausen 2014 u. a., Petersberg 2013.

Hartmut Kühne u. a. (Hrsg.): Pilgerspuren. Von Lüneburg bis an das Ende der Welt. Wege in den Himmel (= Pilgerspuren – Orte, Wege, Zeichen), Ausst.-Kat., Museum Lüneburg und Museum Schwedenspeicher in Stade 2020, Petersberg 2020. 

Lenz Kriss-Rettenbeck und Gerda Möhler (Hrsg.): Wallfahrt kennt keine Grenzen. Themen zu einer Ausstellung des Bayerischen Nationalmuseums und des Adalbert Stifter Vereins, München, München und Zürich 1984. 

Thomas Raff (Hrsg.): Wallfahrt kennt keine Grenzen, Ausst.-Kat., Bayerisches Nationalmuseum in München 1984, München 1984.