Ansicht nach Organisationseinheit

Scheinbar selbstverständlich, zumindest halb verinnerlicht, zuweilen lästig oder frustrierend, oft gefühlt auch ohne greifbare Grundlage – das wissenschaftliche Arbeiten, mit anderen Worten: das Studieren selbst steht im Mittelpunkt dieses Projektseminars. Der zuletzt 2020 überarbeitete „Leitfaden“ des Fachgebiets Kunstgeschichte der TU Berlin ist Ausgangspunkt und Grundlage: Wie bibliografiere ich, erarbeite ich ein Referat, lege ich eine Hausarbeit an? Wie baue ich mein Studium auf, worauf muss ich achten, was sollte ich besser früher als später darüber erfahren? Wo finde ich geeignete Literatur, Quellen, Bildmaterial? Wie gehe ich mit dem Internet um, was das Studium betrifft?

Ziel ist es, gut nachvollziehbare, übersichtliche, fundierte und ansprechend aufbereitete Anleitungen, Hilfestellungen und Tipps fürs Studium zusammenzustellen, die für Studienanfänger ein Ausgangspunkt, für fortgeschrittene Studierende ein nützliches Nachschlagewerk sein können.

Vorgaben und Erwartungen von Dozent:innen und Prüfer:innen gehen auseinander. Was ist verbindliche Grundlage, was ist zulässige und erwünschte methodische Breite? Es gibt eine schwer überblickbare Landschaft von Leitfäden und Ratgebern. Was hat sich bewährt, worauf lohnt es sich zu konzentrieren, wo liegen besondere Probleme?

Das Seminar hat daher den Charakter einer Recherche-, Diskussions- und Schreibwerkstatt, in der nicht nur die Methodenkenntnis geschärft, sondern auch das individuelle Selbstverständnis als Studierende:r reflektiert werden kann. Für die abschließende Redaktion des überarbeiteten Leitfadens sind drei Projekttage vorgesehen, die als eine zusätzliche SWS in den Studienplan eingebracht werden können.

Literatur zur Einführung: Norbert Franck, Handbuch wissenschaftliches Arbeiten. Was man für ein erfolgreiches Studium wissen und können muss, Paderborn 2017; Manuel René Theisen, Wissenschaftliches Arbeiten. Erfolgreich bei Bachelor- und Masterarbeit, 18. Aufl., München 2021; Institut für Kunst- und Bildgeschichte der Humboldt-Universität zu Berlin, Leitfaden – Empfehlungen für das wissenschaftliche Arbeiten, 2. Aufl., Berlin 2015; Institut für Kunstgeschichte

Ludwig-Maximilians-Universität München, Leitfaden zum wissenschaftlichen Arbeiten im Fach Kunstgeschichte, München 2021

Eisen ist ein bereits seit der Antike bekannter Baustoff. Doch während es in Antike und Mittelalter zur Verankerung vor allem bei Gewölben und Kuppeln begegnet, wird es ab Mitte des 18. Jahrhunderts zu einem selbständigen, Stein oder Holz ersetzenden konstruktiven Material in der Baukunst. Seine eigentliche Geschichte beginnt auf der Basis der technischen Möglichkeiten der Verhüttung tatsächlich erst in der frühen Moderne. „Das Eisen hat in der Bautätigkeit des 19. Jahrhunderts eine so wesentliche, in schnellster Steigerung begriffene Bedeutung gewonnen, daß es, im Verhältnis zu seiner Rolle in der gesamten früheren Architektur tatsächlich als ein neuer Baustoff anzusehen ist.“ (Alfred Gotthold Meyer, 1907)

Mit dem Material Eisen wandeln sich Konstruktionsprinzipien und Ästhetik gleichermaßen. Am Beginn stand der Brückenbau – mit der englischen Coalbrookdale Bridge als einem der frühesten Beispiele und zugleich einer architektur- und technikgeschichtlichen Inkunabel, die zu den Untersuchungsobjekten des Seminars gehören wird. Im 19. Jahrhundert wirkte sich die Verwendung vorfabrizierter Bauteile prägend auf Gestalt und Gestaltung aus, wie beispielhaft der Chrystal Place in London, der uns zur temporären Weltausstellungsarchitektur führen wird, ebenso wie zwei zentrale Werke des Architekten Gustave Eiffels zeigen, das Viaducts von Garabit und der Eiffelturm in Paris, oder auch bei den Markthallen. Doch Eisen fand in seiner frühen Zeit auch dort Verwendung, wo es auf den ersten Blick – in der Außenansicht repräsentativer Großbauten wie Bahnhöfe, Warenhäuser oder auch Bibliotheken – nicht erkennbar ist. Nicht nur das Material war, das Zitat von Meyer erneut aufnehmend, noch „neu“; die Bauaufgaben, in denen es im 19. Jahrhundert Verwendung fand, waren es gleichermaßen. Und auch dort, wo es – etwa infolge der Verkleidung von eisernen Stützen – nicht sichtbar ist, ist seine Verwendung bei genauerer Analyse der Bauten erkennbar, da deren vornehmlich statische Eigenheiten ohne Verwendung dieses Baustoffs nicht realisierbar gewesen wären.

Mit der Eisenarchitektur sind Kunst- bzw. Architekturgeschichte und Technikgeschichte angesprochen: letzteres bei der Entwicklung des Materials vom Guss- zum Schmiedeeisen und später Schmiedestahl sowie in den Konstruktionsweisen. Zeitlich spannt sich der Bogen von der Mitte des 18. Jahrhunderts bis in unsere Gegenwart.

Zur Einführung:

-         Alfred Gotthold Meyer, Eisenbauten. Ihre Geschichte und Ästhetik, Esslingen 1907 / Neuausgabe Berlin 1997. (s. auch https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k852597p.image )

-         Christian Schädlich, Das Eisen in der Architektur des 19. Jahrhunderts, Aachen/Berlin 2015

Nähere Informationen erfolgen in der Einführungsveranstaltung am 24. April 2023, Beginn 18:15 Uhr (digital per TU-Zoom, H0111 kann hierfür von den Studierenden genutzt werden, TU-Zoom-Link wird am 24.4. auf isis in den Kurs gestellt).

VORTRAGREIHE SOMMERSEMESTER 2023

In dieser Vortragsreihe des Forums Kunst und Markt/Centre for Art Market Studies werden aktuelle Forschungen zu den historischen und gegenwärtigen Spannungsfeldern und Dynamiken zwischen Kunsthandel, Kunstpolitik und institutionalisierter Kunstwelt präsentiert.

Die Vortragsreihe kann über zwei Semester hinweg in die Freie Wahl integriert werden (BA-Kult–FW 34a1; BA-Kult–FW 34b1; MA-FW 35a7; MA-FW 35b7), wobei zu jedem Semesterende eine schriftliche Modulabschlussprüfung in Form einer Hausarbeit im Umfang von 2-3 Seiten zu erbringen ist.

Die Vortragsreihe kann alternativ auch über zwei Semester hinweg als Vorlesung in die u.g. Module integriert werden, wobei zu jedem Semesterende eine mündliche Rücksprache stattfindet.

Nähere Informationen erfolgen in der Einführungsveranstaltung am 24. April 2023, Beginn 18:15 Uhr. 

Weitere Informationen zum Forum Kunst und Markt / Centre for Art Market Studies der TU Berlin finden Sie unter www.fokum.org sowie via Twitter: @fokumberlin.

Konzeption & Organisation: Dorothee Wimmer

Dozentin: Livia Cardenas

Albrecht Dürer, Lucas Cranach d.Ä. und Hans Holbein d.J. stehen exemplarisch für eine Künstlergeneration, die um und nach 1500 für den Klerus, den Adel und das Bürgertum gleichermaßen tätig waren. So different wie diese Auftraggeber, so vielfältig sind die Medien und Sujets, die von Altarwerken, über Andachtsbilder, Porträts, mythologischen und allegorischen Themen bis hin zu Dekorationen reichen. Die Druckgraphik stellt dabei ein Medium dar, in dem sowohl Bekanntes bedient als auch mit Neuem experimentiert wurde und zugleich auf einen potentiell offenen Kunstmarkt ausgerichtet ist.

Anhand von ausgewählten Werken der drei Künstler nimmt die Lehrveranstaltung nicht nur verschiedene Bildgattungen und Medien in Blick, sondern auch die Rolle der Auftraggeber. Sie ist zugleich eine Einführung in die nordalpine Kunst um 1500.

Nähere Informationen erfolgen in der Einführungsveranstaltung am 24. April 2023, Beginn 18:15 Uhr (digital per TU-Zoom, H0111 kann hierfür von den Studierenden genutzt werden, TU-Zoom-Link wird am 24.4. auf isis in den Kurs gestellt).

VORTRAGREIHE SOMMERSEMESTER 2023

In dieser Vortragsreihe des Forums Kunst und Markt/Centre for Art Market Studies werden aktuelle Forschungen zu den historischen und gegenwärtigen Spannungsfeldern und Dynamiken zwischen Kunsthandel, Kunstpolitik und institutionalisierter Kunstwelt präsentiert.

Die Vortragsreihe kann über zwei Semester hinweg in die Freie Wahl integriert werden (BA-Kult–FW 34a1; BA-Kult–FW 34b1; MA-FW 35a7; MA-FW 35b7), wobei zu jedem Semesterende eine schriftliche Modulabschlussprüfung in Form einer Hausarbeit im Umfang von 2-3 Seiten zu erbringen ist.

Die Vortragsreihe kann alternativ auch über zwei Semester hinweg als Vorlesung in die u.g. Module integriert werden, wobei zu jedem Semesterende eine mündliche Rücksprache stattfindet.

Nähere Informationen erfolgen in der Einführungsveranstaltung am 24. April 2023, Beginn 18:15 Uhr. 

Weitere Informationen zum Forum Kunst und Markt / Centre for Art Market Studies der TU Berlin finden Sie unter www.fokum.org sowie via Twitter: @fokumberlin.

Konzeption & Organisation: Dorothee Wimmer

Nähere Informationen erfolgen in der Einführungsveranstaltung am 24. April 2023, Beginn 18:15 Uhr (digital per TU-Zoom, H0111 kann hierfür von den Studierenden genutzt werden, TU-Zoom-Link wird am 24.4. auf isis in den Kurs gestellt).

VORTRAGREIHE SOMMERSEMESTER 2023

In dieser Vortragsreihe des Forums Kunst und Markt/Centre for Art Market Studies werden aktuelle Forschungen zu den historischen und gegenwärtigen Spannungsfeldern und Dynamiken zwischen Kunsthandel, Kunstpolitik und institutionalisierter Kunstwelt präsentiert.

Die Vortragsreihe kann über zwei Semester hinweg in die Freie Wahl integriert werden (BA-Kult–FW 34a1; BA-Kult–FW 34b1; MA-FW 35a7; MA-FW 35b7), wobei zu jedem Semesterende eine schriftliche Modulabschlussprüfung in Form einer Hausarbeit im Umfang von 2-3 Seiten zu erbringen ist.

Die Vortragsreihe kann alternativ auch über zwei Semester hinweg als Vorlesung in die u.g. Module integriert werden, wobei zu jedem Semesterende eine mündliche Rücksprache stattfindet.

Nähere Informationen erfolgen in der Einführungsveranstaltung am 24. April 2023, Beginn 18:15 Uhr. 

Weitere Informationen zum Forum Kunst und Markt / Centre for Art Market Studies der TU Berlin finden Sie unter www.fokum.org sowie via Twitter: @fokumberlin.

Konzeption & Organisation: Dorothee Wimmer

6 Sitzungen, als Blockseminare: 9:15-12:30 Uhr

In den Jahren 1715-1723 erlebte Frankreich den Wechsel von Ludwig XIV. zur Régence, eine enorme Finanzkrise, koloniale Expansion. Vergleichbar war der Umbruch in der Kunstwelt: stilistischer Wandel, neue Auftraggeber:innengruppen, neue Typen des Sammelns, geänderte Paradigmen in der Kunsttheorie.

Das Seminar untersucht Antoine Watteau als zentralen Protagonisten dieser schnellen und folgenreichen Modernisierung und konzentriert sich dabei auf die Jahre um 1720. Zwei Sitzungen finden vor seinen Gemälden im Schloss Charlottenburg statt. Ausgehend von diesem Künstler werden das Verhältnis von künstlerischem und gesellschaftlichem Wandel untersucht.

Erwartet wird eine gute Lesefähigkeit des Französischen.

Einführende Literatur:

Charlotte Guichard: Watteau – kolonial. Herrschaft, Handel und Galanterie im Frankreich des Régence, München 2022; Jean Meyer: La Vie quotidienne en France au temps de la Régence, Paris, 1979; Christian Michel: Le „célèbre Watteau", Genf 2008 (Bibliothèque des Lumières, 71); Marianne Roland Michel: Watteau 1684-1721, München 1984; Christoph Martin Vogtherr: Watteau at the Wallace Collection, London 2011; Rochelle Ziskin: Sheltering Art: Collecting and Social Identity in Early Eighteenth-Century Paris, University Park, PA 2012.

Die Termine der Blockseminare:

9. Mai

16. Mai

23. Mai

13. Juni

27. Juni

11. Juli

6 Sitzungen, als Blockseminare: 9:15-12:30 Uhr

In den Jahren 1715-1723 erlebte Frankreich den Wechsel von Ludwig XIV. zur Régence, eine enorme Finanzkrise, koloniale Expansion. Vergleichbar war der Umbruch in der Kunstwelt: stilistischer Wandel, neue Auftraggeber:innengruppen, neue Typen des Sammelns, geänderte Paradigmen in der Kunsttheorie.

Das Seminar untersucht Antoine Watteau als zentralen Protagonisten dieser schnellen und folgenreichen Modernisierung und konzentriert sich dabei auf die Jahre um 1720. Zwei Sitzungen finden vor seinen Gemälden im Schloss Charlottenburg statt. Ausgehend von diesem Künstler werden das Verhältnis von künstlerischem und gesellschaftlichem Wandel untersucht.

Erwartet wird eine gute Lesefähigkeit des Französischen.

Einführende Literatur:

Charlotte Guichard: Watteau – kolonial. Herrschaft, Handel und Galanterie im Frankreich des Régence, München 2022; Jean Meyer: La Vie quotidienne en France au temps de la Régence, Paris, 1979; Christian Michel: Le „célèbre Watteau", Genf 2008 (Bibliothèque des Lumières, 71); Marianne Roland Michel: Watteau 1684-1721, München 1984; Christoph Martin Vogtherr: Watteau at the Wallace Collection, London 2011; Rochelle Ziskin: Sheltering Art: Collecting and Social Identity in Early Eighteenth-Century Paris, University Park, PA 2012.

Die Termine der Blockseminare:

9. Mai

16. Mai

23. Mai

13. Juni

27. Juni

11. Juli

6 Sitzungen, als Blockseminare: 9:15-12:30 Uhr

In den Jahren 1715-1723 erlebte Frankreich den Wechsel von Ludwig XIV. zur Régence, eine enorme Finanzkrise, koloniale Expansion. Vergleichbar war der Umbruch in der Kunstwelt: stilistischer Wandel, neue Auftraggeber:innengruppen, neue Typen des Sammelns, geänderte Paradigmen in der Kunsttheorie.

Das Seminar untersucht Antoine Watteau als zentralen Protagonisten dieser schnellen und folgenreichen Modernisierung und konzentriert sich dabei auf die Jahre um 1720. Zwei Sitzungen finden vor seinen Gemälden im Schloss Charlottenburg statt. Ausgehend von diesem Künstler werden das Verhältnis von künstlerischem und gesellschaftlichem Wandel untersucht.

Erwartet wird eine gute Lesefähigkeit des Französischen.

Einführende Literatur:

Charlotte Guichard: Watteau – kolonial. Herrschaft, Handel und Galanterie im Frankreich des Régence, München 2022; Jean Meyer: La Vie quotidienne en France au temps de la Régence, Paris, 1979; Christian Michel: Le „célèbre Watteau", Genf 2008 (Bibliothèque des Lumières, 71); Marianne Roland Michel: Watteau 1684-1721, München 1984; Christoph Martin Vogtherr: Watteau at the Wallace Collection, London 2011; Rochelle Ziskin: Sheltering Art: Collecting and Social Identity in Early Eighteenth-Century Paris, University Park, PA 2012.

Die Termine der Blockseminare:

9. Mai

16. Mai

23. Mai

13. Juni

27. Juni

11. Juli

6 Sitzungen, als Blockseminare: 9:15-12:30 Uhr

In den Jahren 1715-1723 erlebte Frankreich den Wechsel von Ludwig XIV. zur Régence, eine enorme Finanzkrise, koloniale Expansion. Vergleichbar war der Umbruch in der Kunstwelt: stilistischer Wandel, neue Auftraggeber:innengruppen, neue Typen des Sammelns, geänderte Paradigmen in der Kunsttheorie.

Das Seminar untersucht Antoine Watteau als zentralen Protagonisten dieser schnellen und folgenreichen Modernisierung und konzentriert sich dabei auf die Jahre um 1720. Zwei Sitzungen finden vor seinen Gemälden im Schloss Charlottenburg statt. Ausgehend von diesem Künstler werden das Verhältnis von künstlerischem und gesellschaftlichem Wandel untersucht.

Erwartet wird eine gute Lesefähigkeit des Französischen.

Einführende Literatur:

Charlotte Guichard: Watteau – kolonial. Herrschaft, Handel und Galanterie im Frankreich des Régence, München 2022; Jean Meyer: La Vie quotidienne en France au temps de la Régence, Paris, 1979; Christian Michel: Le „célèbre Watteau", Genf 2008 (Bibliothèque des Lumières, 71); Marianne Roland Michel: Watteau 1684-1721, München 1984; Christoph Martin Vogtherr: Watteau at the Wallace Collection, London 2011; Rochelle Ziskin: Sheltering Art: Collecting and Social Identity in Early Eighteenth-Century Paris, University Park, PA 2012.

Die Termine der Blockseminare:

9. Mai

16. Mai

23. Mai

13. Juni

27. Juni

11. Juli

6 Sitzungen, als Blockseminare: 9:15-12:30 Uhr

In den Jahren 1715-1723 erlebte Frankreich den Wechsel von Ludwig XIV. zur Régence, eine enorme Finanzkrise, koloniale Expansion. Vergleichbar war der Umbruch in der Kunstwelt: stilistischer Wandel, neue Auftraggeber:innengruppen, neue Typen des Sammelns, geänderte Paradigmen in der Kunsttheorie.

Das Seminar untersucht Antoine Watteau als zentralen Protagonisten dieser schnellen und folgenreichen Modernisierung und konzentriert sich dabei auf die Jahre um 1720. Zwei Sitzungen finden vor seinen Gemälden im Schloss Charlottenburg statt. Ausgehend von diesem Künstler werden das Verhältnis von künstlerischem und gesellschaftlichem Wandel untersucht.

Erwartet wird eine gute Lesefähigkeit des Französischen.

Einführende Literatur:

Charlotte Guichard: Watteau – kolonial. Herrschaft, Handel und Galanterie im Frankreich des Régence, München 2022; Jean Meyer: La Vie quotidienne en France au temps de la Régence, Paris, 1979; Christian Michel: Le „célèbre Watteau", Genf 2008 (Bibliothèque des Lumières, 71); Marianne Roland Michel: Watteau 1684-1721, München 1984; Christoph Martin Vogtherr: Watteau at the Wallace Collection, London 2011; Rochelle Ziskin: Sheltering Art: Collecting and Social Identity in Early Eighteenth-Century Paris, University Park, PA 2012.

Die Termine der Blockseminare:

9. Mai

16. Mai

23. Mai

13. Juni

27. Juni

11. Juli

6 Sitzungen, als Blockseminare: 9:15-12:30 Uhr

In den Jahren 1715-1723 erlebte Frankreich den Wechsel von Ludwig XIV. zur Régence, eine enorme Finanzkrise, koloniale Expansion. Vergleichbar war der Umbruch in der Kunstwelt: stilistischer Wandel, neue Auftraggeber:innengruppen, neue Typen des Sammelns, geänderte Paradigmen in der Kunsttheorie.

Das Seminar untersucht Antoine Watteau als zentralen Protagonisten dieser schnellen und folgenreichen Modernisierung und konzentriert sich dabei auf die Jahre um 1720. Zwei Sitzungen finden vor seinen Gemälden im Schloss Charlottenburg statt. Ausgehend von diesem Künstler werden das Verhältnis von künstlerischem und gesellschaftlichem Wandel untersucht.

Erwartet wird eine gute Lesefähigkeit des Französischen.

Einführende Literatur:

Charlotte Guichard: Watteau – kolonial. Herrschaft, Handel und Galanterie im Frankreich des Régence, München 2022; Jean Meyer: La Vie quotidienne en France au temps de la Régence, Paris, 1979; Christian Michel: Le „célèbre Watteau", Genf 2008 (Bibliothèque des Lumières, 71); Marianne Roland Michel: Watteau 1684-1721, München 1984; Christoph Martin Vogtherr: Watteau at the Wallace Collection, London 2011; Rochelle Ziskin: Sheltering Art: Collecting and Social Identity in Early Eighteenth-Century Paris, University Park, PA 2012.

Die Termine der Blockseminare:

9. Mai

16. Mai

23. Mai

13. Juni

27. Juni

11. Juli

Scheinbar selbstverständlich, zumindest halb verinnerlicht, zuweilen lästig oder frustrierend, oft gefühlt auch ohne greifbare Grundlage – das wissenschaftliche Arbeiten, mit anderen Worten: das Studieren selbst steht im Mittelpunkt dieses Projektseminars. Der zuletzt 2020 überarbeitete „Leitfaden“ des Fachgebiets Kunstgeschichte der TU Berlin ist Ausgangspunkt und Grundlage: Wie bibliografiere ich, erarbeite ich ein Referat, lege ich eine Hausarbeit an? Wie baue ich mein Studium auf, worauf muss ich achten, was sollte ich besser früher als später darüber erfahren? Wo finde ich geeignete Literatur, Quellen, Bildmaterial? Wie gehe ich mit dem Internet um, was das Studium betrifft?

Ziel ist es, gut nachvollziehbare, übersichtliche, fundierte und ansprechend aufbereitete Anleitungen, Hilfestellungen und Tipps fürs Studium zusammenzustellen, die für Studienanfänger ein Ausgangspunkt, für fortgeschrittene Studierende ein nützliches Nachschlagewerk sein können.

Vorgaben und Erwartungen von Dozent:innen und Prüfer:innen gehen auseinander. Was ist verbindliche Grundlage, was ist zulässige und erwünschte methodische Breite? Es gibt eine schwer überblickbare Landschaft von Leitfäden und Ratgebern. Was hat sich bewährt, worauf lohnt es sich zu konzentrieren, wo liegen besondere Probleme?

Das Seminar hat daher den Charakter einer Recherche-, Diskussions- und Schreibwerkstatt, in der nicht nur die Methodenkenntnis geschärft, sondern auch das individuelle Selbstverständnis als Studierende:r reflektiert werden kann. Für die abschließende Redaktion des überarbeiteten Leitfadens sind drei Projekttage vorgesehen, die als eine zusätzliche SWS in den Studienplan eingebracht werden können.

Literatur zur Einführung: Norbert Franck, Handbuch wissenschaftliches Arbeiten. Was man für ein erfolgreiches Studium wissen und können muss, Paderborn 2017; Manuel René Theisen, Wissenschaftliches Arbeiten. Erfolgreich bei Bachelor- und Masterarbeit, 18. Aufl., München 2021; Institut für Kunst- und Bildgeschichte der Humboldt-Universität zu Berlin, Leitfaden – Empfehlungen für das wissenschaftliche Arbeiten, 2. Aufl., Berlin 2015; Institut für Kunstgeschichte

Ludwig-Maximilians-Universität München, Leitfaden zum wissenschaftlichen Arbeiten im Fach Kunstgeschichte, München 2021

Ort: Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, Kupferstichkabinett, Bodemuseum

Im Laufe des 15. Jahrhunderts entwickelte sich zwischen Italien, den Niederlanden und Deutschland ein reger wirtschaftlicher und kultureller Austausch, der auch in den Bildkünsten seinen Niederschlag fand. So griffen etwa die deutschen und niederländischen Künstler in ihren Bemühungen um einen „antiken Stil“ auf italienische Vorbilder zurück; umgekehrt veränderte die „Wirklichkeitsnähe“ der Niederländer die Porträtmalerei in Venedig oder lieferte die deutsche Druckgraphik motivische Anregungen für Landschaften und Architekturstaffagen. Um die Gestaltungsoptionen in den unterschiedlichen Kulturräumen, den Austausch von Ideen und Formen und die Anverwandlung beziehungsweise Ablehnung des Fremden in Malerei soll es in unserem Seminar gehen, das zum überwiegenden Teil in der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin stattfinden wird. Die Termine vor Ort sollen auch dazu genutzt werden, einen Überblick über die Meisterwerke der europäischen Malerei des späten 15./frühen 16. Jahrhunderts in der Berliner Gemäldegalerie zu gewinnen; vorgesehen ist der Besuch der Hugo van der Goes-Ausstellung, in der ab Ende März 2023 eine spektakuläre Übersicht über das Schaffen dieses Künstlers gegeben wird.

Aufgrund der Vorschriften in der Gemäldegalerie ist die Teilnehmerzahl auf 15 beschränkt.

Die Kunstgeschichte wendet sich wieder vermehrt ökonomischen, politischen und sozialen Fragen zu. Wenig wird sich in der deutschsprachigen Literatur dabei auf die Ansätze marxistischer Kunstgeschichte bezogen, ein bisschen anders sieht es zum Beispiel in der englischsprachigen Kunstgeschichte aus, wo immer noch umfangreicher in diesem Bereich publiziert wird.

Wie ist die Geschichte dieser Richtung der Kunstgeschichte, welche Entwicklungen nahm sie international und im deutschsprachigen Raum? Das Seminar wird chronologisch die Geschichte marxistischer Kunstgeschichte an exemplarischen Personen, Theorien und bezogen auf die behandelten Kunstwerken erkunden. Wir werden uns im Besonderen fragen, was die Positionen marxistischer Kunstgeschichte zum Kunstmarkt, zu Museen, zum Verhältnis Kunst und Gesellschaft und zur Rolle der Kunstgeschichte als Fach waren.

Einführende Literatur:

Larne Abse Gogarty und Andrew Hemingway, Hrsg., Keywords for Marxist Art History Today, 1. Auflage, Kunst Und Politik, Band 21 (2019) (Göttingen: V&R Unipress, 2019)

Andrew Hemingway, Hrsg., Marxism and the history of art: from William Morris to the New Left, Marxism and culture (London ; Ann Arbor, MI: Pluto, 2006).

Weiterbauen ist in der heutigen Architektur ein geläufiger Begriff. Aber weitergebaut wurde immer! Die Vorlesung wird anhand vielfältiger Beispiele unterschiedlicher Gattungen und Zeiten die Weite und Vielgestaltigkeit dieses Begriffs aufzeigen. Dabei spannt sich der Bogen von der Antike bis in die unmittelbare Gegenwart. Innerhalb dieses zeitlichen Rahmens hat (bau-)historisches Bewusstsein, das Bestreben, Bausubstanz in ihrem ursprünglichen Zustand zu bewahren, sich erst spät entwickelt. Zu zeigen sein wird, wie sich diese Entwicklung auf den Umgang mit vorhandenen Bauten auswirkte. Das Augenmerk richtet sich in erster Linie auf Anbauten, Umbauten, grundlegende Umgestaltungen, Überformungen und Änderungen ursprünglicher Nutzung. Das reicht von zu christlichen Kirchen umgebauten Tempeln über barock inszenierte romanische Kirchen bis hin zu Bauten der klassischen Moderne und aus noch jüngerer Zeit, die im Extremfall bis zur Unkenntlichkeit verändert wurden. Überdies werden auch mit dem Weiterbauen zusammenhängende Themenkreise behandelt: So etwa die Umkehrung: nicht neues Bauen in alter Substanz, sondern die Wiederverwendung vorhandener Architekturteile in neuen Zusammenhängen.

In der ersten Vorlesung wird ein Überblick über die Struktur der Veranstaltung gegeben. Literaturhinweise zu den einzelnen Themenkomplexen werden im Verlauf der Veranstaltung gegeben.

Scheinbar selbstverständlich, zumindest halb verinnerlicht, zuweilen lästig oder frustrierend, oft gefühlt auch ohne greifbare Grundlage – das wissenschaftliche Arbeiten, mit anderen Worten: das Studieren selbst steht im Mittelpunkt dieses Projektseminars. Der zuletzt 2020 überarbeitete „Leitfaden“ des Fachgebiets Kunstgeschichte der TU Berlin ist Ausgangspunkt und Grundlage: Wie bibliografiere ich, erarbeite ich ein Referat, lege ich eine Hausarbeit an? Wie baue ich mein Studium auf, worauf muss ich achten, was sollte ich besser früher als später darüber erfahren? Wo finde ich geeignete Literatur, Quellen, Bildmaterial? Wie gehe ich mit dem Internet um, was das Studium betrifft?

Ziel ist es, gut nachvollziehbare, übersichtliche, fundierte und ansprechend aufbereitete Anleitungen, Hilfestellungen und Tipps fürs Studium zusammenzustellen, die für Studienanfänger ein Ausgangspunkt, für fortgeschrittene Studierende ein nützliches Nachschlagewerk sein können.

Vorgaben und Erwartungen von Dozent:innen und Prüfer:innen gehen auseinander. Was ist verbindliche Grundlage, was ist zulässige und erwünschte methodische Breite? Es gibt eine schwer überblickbare Landschaft von Leitfäden und Ratgebern. Was hat sich bewährt, worauf lohnt es sich zu konzentrieren, wo liegen besondere Probleme?

Das Seminar hat daher den Charakter einer Recherche-, Diskussions- und Schreibwerkstatt, in der nicht nur die Methodenkenntnis geschärft, sondern auch das individuelle Selbstverständnis als Studierende:r reflektiert werden kann. Für die abschließende Redaktion des überarbeiteten Leitfadens sind drei Projekttage vorgesehen, die als eine zusätzliche SWS in den Studienplan eingebracht werden können.

Literatur zur Einführung: Norbert Franck, Handbuch wissenschaftliches Arbeiten. Was man für ein erfolgreiches Studium wissen und können muss, Paderborn 2017; Manuel René Theisen, Wissenschaftliches Arbeiten. Erfolgreich bei Bachelor- und Masterarbeit, 18. Aufl., München 2021; Institut für Kunst- und Bildgeschichte der Humboldt-Universität zu Berlin, Leitfaden – Empfehlungen für das wissenschaftliche Arbeiten, 2. Aufl., Berlin 2015; Institut für Kunstgeschichte

Ludwig-Maximilians-Universität München, Leitfaden zum wissenschaftlichen Arbeiten im Fach Kunstgeschichte, München 2021

Dozentin: Anna Ahrens: Anna.ahrens@grisebach.com

Mittwoch, 28. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Seminarraum in der TU H6124

Donnerstag, 29. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Freitag, 30. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Spätestens mit der Erfindung der Weltausstellungen in London (1851) und Paris (1855) war es kaum mehr zu übersehen: die Welt befand sich im Wandel. Die Zukunft verband sich mit der Gegenwart. Eindrucksstark führte schon das erste Großereignis in Paxtons aus Eisen und Glas modular zusammengesetztem Crystal Palace, der scheinbar über Nacht Londons Hyde Park besetzte, den staunenden Besuchern die Möglichkeiten eines Heute und die Visionen für eine Welt von Morgen vor Augen. Unter dem lichtschlossartigen Glasmantel präsentierten mit einem Schlag rund 17.000 Aussteller aus 28 Ländern neueste industrielle wie gewerbliche Produkte und zeigten technologische Entwicklungen an.

Nur vier Jahre später bot Paris neben Industrie und Gewerken auch der aktuellen Kunst die große Bühne - in einem nun eigens geschaffenem Palais des Beaux-Arts, für rund 5000 Werke von rund 2200 Künstlern aus genau 28 Ländern. Die Geschichte ist so bekannt wie bezeichnend. Während drinnen sich alles um die opulenten Werkschauen der französischen Großmeister Jean-Dominique-Auguste Ingres und Eugène Delacroix gruppierte und neben Künstlern wie dem stillen Camille Corot als auch anderen bedeutenden Malern der romantisch-realistischen Landschaftsschule von Barbizon eine schier unüberschaubare Anzahl von Salonmalern offiziell gewürdigt wurden, opponierte draußen Gustave Courbet in einem eigenen, schuppenartigen Pavillon unter der Aufschrift: „Le Réalisme. G. Courbet“.

Mehr denn je sahen die Künstler sich herausgefordert, für ihre eignen Evangelien zu kämpfen. Um ihre Werke nicht zuletzt angesichts der zunehmenden internationalen Konkurrenz einem größeren Publikum zeigen und somit verkaufen zu können, betraten sie alte als auch gänzlich neue Pfade - innerhalb und außerhalb des offiziellen Ausstellungssystems. Auf der Suche nach einer Sichtbarkeit, die frei und unabhängig war von Beschränkungen und akademischen Werturteilen, taten sie sich zu Künstlergruppen zusammen, organisierten eigene Ausstellungen und nutzen die sich nun vermehrt etablierenden, oft international vernetzten Galerien und Kunsthandlungen für die Präsentation und Vermittlung ihrer Kunst.

Im Anschluß an das vorangegangene Seminar zum Kunstbetrieb und Kunstmarkt des 19. Jahrhunderts wollen wir unsere Aufmerksamkeit nun noch einmal gezielt auf die Bedingungen, Initiativen und Einrichtungen lenken, die die Entwicklung der Kunst der Moderne ab der zweiten Jahrhunderthälfte und speziell in den Jahren um 1880 bis zur Machtergreifung der Nationalsozialisten begleitet haben. Unser besonderes Augenmerk lenken wir auf herausragende Akteure sowohl auf Seite der Künstler*innen als auch der privaten und institutionellen Einrichtungen wie den wichtigsten Kunsthandlungen und Galerien, Sezessionen, Messen, Auktionen. Berlin wurde in der Zeit um 1900 bis in die 20er Jahre als der „bedeutendste Markt nach Paris“ bezeichnet. Aber auch Köln, München, London, Wien und nicht zuletzt New York spielten eine starke Rolle im internationalen Kunst(markt)geschehen.

Wir haben das große Glück, dass die Sommerausstellung der Alten Nationalgalerie „Sezessionen. Liebermann, Klimt, von Stuck“ unser Seminarthema auf die schönste Art begleitet. Ziel ist es, die Referatsthemen mit einer Übung vor Originalen zu verbinden.

Das Seminar wird als Blockseminar angeboten. Es werden zwei von drei Terminen des Blockseminars vor Ort in der Alten Nationalgelarie stattfinden. Der Einführungstermin mit Verteilung der Referate ist ein Pflichttermin, da hier die wichtigsten Vorbesprechungen stattfinden.

Eine Referatsliste wird rechtzeitig vor dem Einführungstermin online gestellt.

Ich freue über Ihr Interesse und eine lustvoll engagierte Teilnahme.

Das Seminar widmet sich der Zeit zwischen den 1880er Jahren und den 1910er Jahren, die geprägt ist durch stilistische Vielfalt. Historismus, Jugendstil und Reformarchitektur sind wichtige Stichworte und bauliche Ausdrucksformen, die wir analysieren und mit Blick auf ausgewählte Bauwerke diskutieren werden. Es wird – abgesehen von der ersten und der letzten Sitzung – ausnahmslos vor Ort diskutiert: Das ermöglicht es, die Bauwerke in ihrer Gesamtheit und dem stadträumlichen Kontext zu betrachten. Baubeschreibung und -analyse stehen im Zentrum dieses Bachelorseminars. Vielfältig sind nicht nur die Ausdrucksformen, sondern auch die Bauaufgaben, denen sich das Seminar widmen wird. Das Spektrum umfasst Brücken, Industriebauten, Gerichtsgebäude, Kirchen, U-Bahnhöfe, Wohnungsbau und Theaterbau. Welche Bauwerke wir konkret betrachten werden, zeigt die erste Sitzung, die in der Diathek des Instituts stattfinden wird und in der die Themen vergeben werden.

Hinweise:

• Das Seminar ist teilnehmer:innenbegrenzt auf 17 (mit Warteliste)
• Alle Teilnehmenden sind aufgefordert, eines der Objekte zu behandeln. Eine reine Teilnahme ist nicht möglich.
• Erster und letzter Termin in der Diathek, ansonsten vor Ort im Museum

Dozentin: Emilie Oléron Evans

Die Sitzungen finden hauptsächlich auf Englisch statt.

Onlinesitzungen:

Do., 20.04.2023 12:00-14:00

Do., 27.04.2023 12:00-14:00

Do., 11.05.2023 12:00-14:00

Do., 22.06.2023 12:00-14:00

Blockseminar in Präsenz (1) im H3025:

Do., 25.05.2023 10:00-16:00

Onlinesitzungen:

Do., 08.06.2023 12:00-14:00

Do., 15.06.2023 12:00-14:00

Do., 29.06.2023 12:00-14:00

Do., 06.07.2023 12:00-14:00

Blockseminar in Präsenz (2):

Do., 13.07.2023 10:00-16:00 Uhr 

Translation plays a major part in the formation and diffusion of artistic canons and frameworks of interpretation, partly through the persistence of “foreign” terms in the vocabulary of the discipline in its predominant, mostly Western languages. Through discussing a range of artistic and art-historical terms and assessing (or re-assessing) their (un)translatability across languages, this seminar will make visible and accessible the transnational intellectual networks in which art historians are involved, in which they mediate and shape the evolution of art history and, through it, the discourse of the museum. The seminar revolves around the project of a glossary providing a critical analysis of key terms identified and researched with the students.

Dozentin: Emilie Oléron Evans

Die Sitzungen finden hauptsächlich auf Englisch statt.

Onlinesitzungen:

Do., 20.04.2023 12:00-14:00

Do., 27.04.2023 12:00-14:00

Do., 11.05.2023 12:00-14:00

Do., 22.06.2023 12:00-14:00

Blockseminar in Präsenz (1) im H3025:

Do., 25.05.2023 10:00-16:00

Onlinesitzungen:

Do., 08.06.2023 12:00-14:00

Do., 15.06.2023 12:00-14:00

Do., 29.06.2023 12:00-14:00

Do., 06.07.2023 12:00-14:00

Blockseminar in Präsenz (2):

Do., 13.07.2023 10:00-16:00 Uhr 

Translation plays a major part in the formation and diffusion of artistic canons and frameworks of interpretation, partly through the persistence of “foreign” terms in the vocabulary of the discipline in its predominant, mostly Western languages. Through discussing a range of artistic and art-historical terms and assessing (or re-assessing) their (un)translatability across languages, this seminar will make visible and accessible the transnational intellectual networks in which art historians are involved, in which they mediate and shape the evolution of art history and, through it, the discourse of the museum. The seminar revolves around the project of a glossary providing a critical analysis of key terms identified and researched with the students.

Scheinbar selbstverständlich, zumindest halb verinnerlicht, zuweilen lästig oder frustrierend, oft gefühlt auch ohne greifbare Grundlage – das wissenschaftliche Arbeiten, mit anderen Worten: das Studieren selbst steht im Mittelpunkt dieses Projektseminars. Der zuletzt 2020 überarbeitete „Leitfaden“ des Fachgebiets Kunstgeschichte der TU Berlin ist Ausgangspunkt und Grundlage: Wie bibliografiere ich, erarbeite ich ein Referat, lege ich eine Hausarbeit an? Wie baue ich mein Studium auf, worauf muss ich achten, was sollte ich besser früher als später darüber erfahren? Wo finde ich geeignete Literatur, Quellen, Bildmaterial? Wie gehe ich mit dem Internet um, was das Studium betrifft?

Ziel ist es, gut nachvollziehbare, übersichtliche, fundierte und ansprechend aufbereitete Anleitungen, Hilfestellungen und Tipps fürs Studium zusammenzustellen, die für Studienanfänger ein Ausgangspunkt, für fortgeschrittene Studierende ein nützliches Nachschlagewerk sein können.

Vorgaben und Erwartungen von Dozent:innen und Prüfer:innen gehen auseinander. Was ist verbindliche Grundlage, was ist zulässige und erwünschte methodische Breite? Es gibt eine schwer überblickbare Landschaft von Leitfäden und Ratgebern. Was hat sich bewährt, worauf lohnt es sich zu konzentrieren, wo liegen besondere Probleme?

Das Seminar hat daher den Charakter einer Recherche-, Diskussions- und Schreibwerkstatt, in der nicht nur die Methodenkenntnis geschärft, sondern auch das individuelle Selbstverständnis als Studierende:r reflektiert werden kann. Für die abschließende Redaktion des überarbeiteten Leitfadens sind drei Projekttage vorgesehen, die als eine zusätzliche SWS in den Studienplan eingebracht werden können.

Literatur zur Einführung: Norbert Franck, Handbuch wissenschaftliches Arbeiten. Was man für ein erfolgreiches Studium wissen und können muss, Paderborn 2017; Manuel René Theisen, Wissenschaftliches Arbeiten. Erfolgreich bei Bachelor- und Masterarbeit, 18. Aufl., München 2021; Institut für Kunst- und Bildgeschichte der Humboldt-Universität zu Berlin, Leitfaden – Empfehlungen für das wissenschaftliche Arbeiten, 2. Aufl., Berlin 2015; Institut für Kunstgeschichte

Ludwig-Maximilians-Universität München, Leitfaden zum wissenschaftlichen Arbeiten im Fach Kunstgeschichte, München 2021

Dozentin: Anna Ahrens: Anna.ahrens@grisebach.com

Mittwoch, 28. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Seminarraum in der TU H6124

Donnerstag, 29. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Freitag, 30. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Spätestens mit der Erfindung der Weltausstellungen in London (1851) und Paris (1855) war es kaum mehr zu übersehen: die Welt befand sich im Wandel. Die Zukunft verband sich mit der Gegenwart. Eindrucksstark führte schon das erste Großereignis in Paxtons aus Eisen und Glas modular zusammengesetztem Crystal Palace, der scheinbar über Nacht Londons Hyde Park besetzte, den staunenden Besuchern die Möglichkeiten eines Heute und die Visionen für eine Welt von Morgen vor Augen. Unter dem lichtschlossartigen Glasmantel präsentierten mit einem Schlag rund 17.000 Aussteller aus 28 Ländern neueste industrielle wie gewerbliche Produkte und zeigten technologische Entwicklungen an.

Nur vier Jahre später bot Paris neben Industrie und Gewerken auch der aktuellen Kunst die große Bühne - in einem nun eigens geschaffenem Palais des Beaux-Arts, für rund 5000 Werke von rund 2200 Künstlern aus genau 28 Ländern. Die Geschichte ist so bekannt wie bezeichnend. Während drinnen sich alles um die opulenten Werkschauen der französischen Großmeister Jean-Dominique-Auguste Ingres und Eugène Delacroix gruppierte und neben Künstlern wie dem stillen Camille Corot als auch anderen bedeutenden Malern der romantisch-realistischen Landschaftsschule von Barbizon eine schier unüberschaubare Anzahl von Salonmalern offiziell gewürdigt wurden, opponierte draußen Gustave Courbet in einem eigenen, schuppenartigen Pavillon unter der Aufschrift: „Le Réalisme. G. Courbet“.

Mehr denn je sahen die Künstler sich herausgefordert, für ihre eignen Evangelien zu kämpfen. Um ihre Werke nicht zuletzt angesichts der zunehmenden internationalen Konkurrenz einem größeren Publikum zeigen und somit verkaufen zu können, betraten sie alte als auch gänzlich neue Pfade - innerhalb und außerhalb des offiziellen Ausstellungssystems. Auf der Suche nach einer Sichtbarkeit, die frei und unabhängig war von Beschränkungen und akademischen Werturteilen, taten sie sich zu Künstlergruppen zusammen, organisierten eigene Ausstellungen und nutzen die sich nun vermehrt etablierenden, oft international vernetzten Galerien und Kunsthandlungen für die Präsentation und Vermittlung ihrer Kunst.

Im Anschluß an das vorangegangene Seminar zum Kunstbetrieb und Kunstmarkt des 19. Jahrhunderts wollen wir unsere Aufmerksamkeit nun noch einmal gezielt auf die Bedingungen, Initiativen und Einrichtungen lenken, die die Entwicklung der Kunst der Moderne ab der zweiten Jahrhunderthälfte und speziell in den Jahren um 1880 bis zur Machtergreifung der Nationalsozialisten begleitet haben. Unser besonderes Augenmerk lenken wir auf herausragende Akteure sowohl auf Seite der Künstler*innen als auch der privaten und institutionellen Einrichtungen wie den wichtigsten Kunsthandlungen und Galerien, Sezessionen, Messen, Auktionen. Berlin wurde in der Zeit um 1900 bis in die 20er Jahre als der „bedeutendste Markt nach Paris“ bezeichnet. Aber auch Köln, München, London, Wien und nicht zuletzt New York spielten eine starke Rolle im internationalen Kunst(markt)geschehen.

Wir haben das große Glück, dass die Sommerausstellung der Alten Nationalgalerie „Sezessionen. Liebermann, Klimt, von Stuck“ unser Seminarthema auf die schönste Art begleitet. Ziel ist es, die Referatsthemen mit einer Übung vor Originalen zu verbinden.

Das Seminar wird als Blockseminar angeboten. Es werden zwei von drei Terminen des Blockseminars vor Ort in der Alten Nationalgelarie stattfinden. Der Einführungstermin mit Verteilung der Referate ist ein Pflichttermin, da hier die wichtigsten Vorbesprechungen stattfinden.

Eine Referatsliste wird rechtzeitig vor dem Einführungstermin online gestellt.

Ich freue über Ihr Interesse und eine lustvoll engagierte Teilnahme.

Scheinbar selbstverständlich, zumindest halb verinnerlicht, zuweilen lästig oder frustrierend, oft gefühlt auch ohne greifbare Grundlage – das wissenschaftliche Arbeiten, mit anderen Worten: das Studieren selbst steht im Mittelpunkt dieses Projektseminars. Der zuletzt 2020 überarbeitete „Leitfaden“ des Fachgebiets Kunstgeschichte der TU Berlin ist Ausgangspunkt und Grundlage: Wie bibliografiere ich, erarbeite ich ein Referat, lege ich eine Hausarbeit an? Wie baue ich mein Studium auf, worauf muss ich achten, was sollte ich besser früher als später darüber erfahren? Wo finde ich geeignete Literatur, Quellen, Bildmaterial? Wie gehe ich mit dem Internet um, was das Studium betrifft?

Ziel ist es, gut nachvollziehbare, übersichtliche, fundierte und ansprechend aufbereitete Anleitungen, Hilfestellungen und Tipps fürs Studium zusammenzustellen, die für Studienanfänger ein Ausgangspunkt, für fortgeschrittene Studierende ein nützliches Nachschlagewerk sein können.

Vorgaben und Erwartungen von Dozent:innen und Prüfer:innen gehen auseinander. Was ist verbindliche Grundlage, was ist zulässige und erwünschte methodische Breite? Es gibt eine schwer überblickbare Landschaft von Leitfäden und Ratgebern. Was hat sich bewährt, worauf lohnt es sich zu konzentrieren, wo liegen besondere Probleme?

Das Seminar hat daher den Charakter einer Recherche-, Diskussions- und Schreibwerkstatt, in der nicht nur die Methodenkenntnis geschärft, sondern auch das individuelle Selbstverständnis als Studierende:r reflektiert werden kann. Für die abschließende Redaktion des überarbeiteten Leitfadens sind drei Projekttage vorgesehen, die als eine zusätzliche SWS in den Studienplan eingebracht werden können.

Literatur zur Einführung: Norbert Franck, Handbuch wissenschaftliches Arbeiten. Was man für ein erfolgreiches Studium wissen und können muss, Paderborn 2017; Manuel René Theisen, Wissenschaftliches Arbeiten. Erfolgreich bei Bachelor- und Masterarbeit, 18. Aufl., München 2021; Institut für Kunst- und Bildgeschichte der Humboldt-Universität zu Berlin, Leitfaden – Empfehlungen für das wissenschaftliche Arbeiten, 2. Aufl., Berlin 2015; Institut für Kunstgeschichte

Ludwig-Maximilians-Universität München, Leitfaden zum wissenschaftlichen Arbeiten im Fach Kunstgeschichte, München 2021

Architekturgeschichte und Denkmalpflege sind gleichermaßen angesprochen bei den zumeist emotional geführten fachinternen und öffentlichen Diskussionen über die „Rekonstruktion“. In Berlin stehen die Bauakademie und das Humboldtforum im Zentrum der Debatte – doch nicht erst in Berlin, wie schon der Heidelberger Schlossstreit um 1900 belegt, an dem führende Kunsthistoriker und Denkmalpfleger wie Georg Dehio und Cornelius Gurlitt beteiligt waren. Lüge, Kulisse, Kopie, Attrappenkult sind Begriffe, die im Kontext der Rekonstruktionsdebatten fallen. Ebenso aber auch Authentizität und Identität. Eines der beiden Ziele des Seminars ist es, anhand ausgewählter Texte die Argumente und Argumentationslinien innerhalb der Debatten nachzuvollziehen und kritisch zu reflektieren.

Darüber hinaus beschäftigt sich das Seminar mit der Visualisierung des Verlorenen, also der digitalen Rekonstruktion. Welchen Nutzen haben 3-D-Rekonstruktionen, in denen Schrift- und Bildwissen fusionieren, für die kunsthistorische Gebäudeanalyse? Welche Chancen und Grenzen zeigen sich bei ihrer Verwendung im Rahmen wissenschaftlicher Untersuchungen? Wecken sie Begehrlichkeiten, Verlorenes nachzubauen oder befriedigen sie diese und tragen dazu bei, Rekonstruktionen entbehrlich erscheinen zu lassen? Anhand ausgewählter Beispiele, zu denen als einer der frühen Rekonstruktionsprojekte die Klosterkirche Cluny III als mit der Französischen Revolution verloren gegangener Großbau gehört, sollen Voraussetzungen, Bedingungen und wissenschaftlicher Nutzen digitaler Rekonstruktionen untersucht werden.

in Kooperation mit Dr. Sabine Beneke, DHM

Beginn: 27.4.2023, 1. Sitzung in der Diathek

Standort eines der jüngsten und zugleich meistbesuchten Museen Berlins, des Deutschen Historischen Museums (DHM), ist das Zeughaus. Im Zuge der Instandsetzung des ältesten Gebäudes an Berlins Prachtstraße Unter den Linden wird auch die ständige Ausstellung des DHM neu geordnet. Ihre Wiedereröffnung ist Ende 2025 vorgesehen. Wir nehmen die umfassende Neuaufstellung zum Anlass, uns mit Geschichte und Auftrag des DHM sowie den Funktionen einer Dauerausstellung zu beschäftigen. Darauf aufbauend werden wir die Rolle von Kunstwerken in einem kulturhistorischen Museum reflektieren, das der Repräsentation und Erinnerung deutscher Geschichte im europäischen Kontext gewidmet ist.

Welche Gemälde und Skulpturen aus der reichen Kunstsammlung des DHM empfehlen sich für die ständige Präsentation? Welche verbleiben im Depot? Was sind die Kriterien für die Auswahl? Wie lassen sich kunsthistorische Forschungen etwa zu Ikonografie, Auftragslage, sozialem Künstlerstatus und Provenienz an Formate für die Vermittlung im Ausstellungsraum anpassen?

Von der Recherche zu beispielhaften Objekten, deren Entstehung vom späten Mittelalter bis ins 20. Jahrhundert reicht, schlagen wir eine Brücke zur praktischen kuratorischen Arbeit, indem wir uns mit möglichen Inszenierungsvorschlägen beschäftigen. Zeitlich bewegen wir uns vom späten Mittelalter bis ins 20. Jahrhundert hinein.

HINWEISE: Das dreistündige Seminar beginnt am 27.4. Die Teilnahme ist auf 12 Studierende beschränkt. Die Sitzungen finden an wechselnden Orten statt, in der Diathek, im DHM und im Depot des DHM in Spandau. Die Bereitschaft zur Gruppenarbeit ist erwünscht.

„At first, people started calling us performance artists because that was very trendy. And then they called us video artists. Then, much later, when we moved to New York, they called us AIDS artists.”

(AA Bronson im Interview mit Purple Magazine, online at https://purple.fr/magazine/317827-autosave-v1/cover-2-aa-bronson/ | zuletzt abgerufen am 3.3.2023)

Unter dem generischen Label General Idea machten AA Bronson, Felix Partz und Jorge Zontal von 1969 bis 1994 gemeinsam Kunst. Das Œuvre der in Toronto beheimateten und Mitte der 1980er nach New York City übergesiedelten Künstlergruppe strotzt vor queerem Humor und popkulturellen Verweisen. Beständig unterwanderten sie gängige Mechanismen der Kunstwelt und widersetzten sich einschlägigen Kategorisierungen. Im vergangenen Sommer präsentierte die National Gallery of Canada das augenzwinkernde Vermächtnis von General Idea in einer umfassenden Retrospektive. Die in enger Zusammenarbeit mit AA Bronson von Adam Welch und Beatrix Ruf kuratierte Ausstellung wird ab September im Berliner Gropius Bau zu sehen sein.

Im Projektseminar werden wir uns dem Schaffen von General Idea anhand zentraler Motive und wiederkehrender Strategien nähern, um gemeinsam Formate für das Rahmenprogramm der Ausstellung zu entwickeln. Der Kurs ist auf 15 Teilnehmer:innen beschränkt. Ein sicherer Umgang mit englischsprachiger Forschungsliteratur und Freude an intensiver Gruppenarbeit wird vorausgesetzt. Die Seminarsitzungen finden in unregelmäßigen Abständen donnerstags zwischen 16 und 20 Uhr im Institut und vor Ort im Gropius Bau statt. Ein gemeinsamer Ausstellungsbesuch Ende September und die Durchführung der erarbeiteten Formate im Herbst sind Teil der Seminarleistung.

Theorie und Praxis der Kunst- und Kulturvermittlung

Die Rolle und das Selbstverständnis der Kunst- und Kulturvermittlung an deutschen Museen erfahren seit einigen Jahren einen Wandel. Zunehmend wird der Bildungsauftrag als die zukunftsweisende Aufgabe von Museen definiert. Auch die Staatlichen Museen zu Berlin stellen sich dieser Kernaufgabe. Mit der Bildungs- und Vermittlungsarbeit der Staatlichen Museen zu Berlin wird eine Museumskultur gefördert, die die Besucher*innen nicht nur als passive Betrachter*innen, sondern als aktiv handelnde Nutzer*innen der Institutionen versteht.

Den Blick auf die Nutzergruppe der Studierenden gerichtet, möchten die Staatlichen Museen zu Berlin nicht nur zu einer Auseinandersetzung mit Kunst und Kultur einladen, sondern bewirken, dass junge Kulturinteressierte die Arbeit der Institutionen langfristig begleiten und in ihnen gestaltend tätig werden. Die in jedem Semester stattfindenden TU-Seminare sind ein wichtiger Baustein, um diesem Ziel kontinuierlich näher zu kommen. 

Im Sommersemester 2023 liegt der Schwerpunkt auf der Entwicklung von didaktischen Materialien und Formaten, die im Außenraum in den Einsatz kommen und Besucher*innen zur Erkundung der Museumsinsel anregen. Hierbei richtet sich der Fokus auf ein junges Zielpublikum. Das Seminar arbeitet praxisorientiert und bietet zudem einen Überblick über bestehende Vermittlungsansätze/-konzeptionen der Staatlichen Museen zu Berlin sowie deren fachwissenschaftlicher Verankerung. Die entwickelten Werkzeuge und Formate werden am letzten Seminartag einem Praxistest ausgesetzt. Die Seminarteilnehmer*innen erproben die von ihnen entwickelten Tools im Rahmen des Museumssonntags auf der Museumsinsel.

Seminarleitung:

Heike Kropff, Leitung Bildung / Kommunikation, Staatliche Museen zu Berlin

Monika Demler, wissenschaftliche Mitarbeiterin, Bildung, Vermittlung, Besucherdienste, Staatliche Museen zu Berlin

Veranstaltungstermine:

Do / 11.5.2023 / 16 – 20 Uhr

Fr / 12.5.2023 / 10 – 18 Uhr

Sa / 13.5.2023 / 10 – 18 Uhr

Do / 1.6.2023 / 16 – 18 Uhr (optionaler Online-Termin)

So / 3.6.2023 / 12 – 16 Uhr

Treffpunkt der ersten Veranstaltung:

Haus Bastian – Zentrum für kulturelle Bildung der Staatlichen Museen zu Berlin

Am Kupfergraben 10, 10117 Berlin

Einführende Literatur:

Zeit für Vermittlung – Eine online Publikation zur Kulturvermittlung.

Herausgegeben vom Institute for Art Education der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK)

Download: http://www.kultur-vermittlung.ch/zeit-fuer-vermittlung

lab.Bode pool - Impulse für kulturelle Bildung

Herausgegeben vom Referat Bildung, Vermittlung, Besucherdienste der Staatlichen Museen zu Berlin

www.lab-bode-pool.de/de/

Zu erbringende Leistungen:

-      Regelmäßige Teilnahme an allen Terminen des Blockseminars

-      Erprobung der Zugänge im Rahmen einer Veranstaltung für Studierende

-      Schriftliche Reflexion (10 Seiten)

Teilnahmezahl:

Max. 15 Studierende

Anmeldung erforderlich:

Ja 

Theorie und Praxis der Kunst- und Kulturvermittlung

Die Rolle und das Selbstverständnis der Kunst- und Kulturvermittlung an deutschen Museen erfahren seit einigen Jahren einen Wandel. Zunehmend wird der Bildungsauftrag als die zukunftsweisende Aufgabe von Museen definiert. Auch die Staatlichen Museen zu Berlin stellen sich dieser Kernaufgabe. Mit der Bildungs- und Vermittlungsarbeit der Staatlichen Museen zu Berlin wird eine Museumskultur gefördert, die die Besucher*innen nicht nur als passive Betrachter*innen, sondern als aktiv handelnde Nutzer*innen der Institutionen versteht.

Den Blick auf die Nutzergruppe der Studierenden gerichtet, möchten die Staatlichen Museen zu Berlin nicht nur zu einer Auseinandersetzung mit Kunst und Kultur einladen, sondern bewirken, dass junge Kulturinteressierte die Arbeit der Institutionen langfristig begleiten und in ihnen gestaltend tätig werden. Die in jedem Semester stattfindenden TU-Seminare sind ein wichtiger Baustein, um diesem Ziel kontinuierlich näher zu kommen. 

Im Sommersemester 2023 liegt der Schwerpunkt auf der Entwicklung von didaktischen Materialien und Formaten, die im Außenraum in den Einsatz kommen und Besucher*innen zur Erkundung der Museumsinsel anregen. Hierbei richtet sich der Fokus auf ein junges Zielpublikum. Das Seminar arbeitet praxisorientiert und bietet zudem einen Überblick über bestehende Vermittlungsansätze/-konzeptionen der Staatlichen Museen zu Berlin sowie deren fachwissenschaftlicher Verankerung. Die entwickelten Werkzeuge und Formate werden am letzten Seminartag einem Praxistest ausgesetzt. Die Seminarteilnehmer*innen erproben die von ihnen entwickelten Tools im Rahmen des Museumssonntags auf der Museumsinsel.

Seminarleitung:

Heike Kropff, Leitung Bildung / Kommunikation, Staatliche Museen zu Berlin

Monika Demler, wissenschaftliche Mitarbeiterin, Bildung, Vermittlung, Besucherdienste, Staatliche Museen zu Berlin

Veranstaltungstermine:

Do / 11.5.2023 / 16 – 20 Uhr

Fr / 12.5.2023 / 10 – 18 Uhr

Sa / 13.5.2023 / 10 – 18 Uhr

Do / 1.6.2023 / 16 – 18 Uhr (optionaler Online-Termin)

So / 3.6.2023 / 12 – 16 Uhr

Treffpunkt der ersten Veranstaltung:

Haus Bastian – Zentrum für kulturelle Bildung der Staatlichen Museen zu Berlin

Am Kupfergraben 10, 10117 Berlin

Einführende Literatur:

Zeit für Vermittlung – Eine online Publikation zur Kulturvermittlung.

Herausgegeben vom Institute for Art Education der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK)

Download: http://www.kultur-vermittlung.ch/zeit-fuer-vermittlung

lab.Bode pool - Impulse für kulturelle Bildung

Herausgegeben vom Referat Bildung, Vermittlung, Besucherdienste der Staatlichen Museen zu Berlin

www.lab-bode-pool.de/de/

Zu erbringende Leistungen:

-      Regelmäßige Teilnahme an allen Terminen des Blockseminars

-      Erprobung der Zugänge im Rahmen einer Veranstaltung für Studierende

-      Schriftliche Reflexion (10 Seiten)

Teilnahmezahl:

Max. 15 Studierende

Anmeldung erforderlich:

Ja 

Theorie und Praxis der Kunst- und Kulturvermittlung

Die Rolle und das Selbstverständnis der Kunst- und Kulturvermittlung an deutschen Museen erfahren seit einigen Jahren einen Wandel. Zunehmend wird der Bildungsauftrag als die zukunftsweisende Aufgabe von Museen definiert. Auch die Staatlichen Museen zu Berlin stellen sich dieser Kernaufgabe. Mit der Bildungs- und Vermittlungsarbeit der Staatlichen Museen zu Berlin wird eine Museumskultur gefördert, die die Besucher*innen nicht nur als passive Betrachter*innen, sondern als aktiv handelnde Nutzer*innen der Institutionen versteht.

Den Blick auf die Nutzergruppe der Studierenden gerichtet, möchten die Staatlichen Museen zu Berlin nicht nur zu einer Auseinandersetzung mit Kunst und Kultur einladen, sondern bewirken, dass junge Kulturinteressierte die Arbeit der Institutionen langfristig begleiten und in ihnen gestaltend tätig werden. Die in jedem Semester stattfindenden TU-Seminare sind ein wichtiger Baustein, um diesem Ziel kontinuierlich näher zu kommen. 

Im Sommersemester 2023 liegt der Schwerpunkt auf der Entwicklung von didaktischen Materialien und Formaten, die im Außenraum in den Einsatz kommen und Besucher*innen zur Erkundung der Museumsinsel anregen. Hierbei richtet sich der Fokus auf ein junges Zielpublikum. Das Seminar arbeitet praxisorientiert und bietet zudem einen Überblick über bestehende Vermittlungsansätze/-konzeptionen der Staatlichen Museen zu Berlin sowie deren fachwissenschaftlicher Verankerung. Die entwickelten Werkzeuge und Formate werden am letzten Seminartag einem Praxistest ausgesetzt. Die Seminarteilnehmer*innen erproben die von ihnen entwickelten Tools im Rahmen des Museumssonntags auf der Museumsinsel.

Seminarleitung:

Heike Kropff, Leitung Bildung / Kommunikation, Staatliche Museen zu Berlin

Monika Demler, wissenschaftliche Mitarbeiterin, Bildung, Vermittlung, Besucherdienste, Staatliche Museen zu Berlin

Veranstaltungstermine:

Do / 11.5.2023 / 16 – 20 Uhr

Fr / 12.5.2023 / 10 – 18 Uhr

Sa / 13.5.2023 / 10 – 18 Uhr

Do / 1.6.2023 / 16 – 18 Uhr (optionaler Online-Termin)

So / 3.6.2023 / 12 – 16 Uhr

Treffpunkt der ersten Veranstaltung:

Haus Bastian – Zentrum für kulturelle Bildung der Staatlichen Museen zu Berlin

Am Kupfergraben 10, 10117 Berlin

Einführende Literatur:

Zeit für Vermittlung – Eine online Publikation zur Kulturvermittlung.

Herausgegeben vom Institute for Art Education der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK)

Download: http://www.kultur-vermittlung.ch/zeit-fuer-vermittlung

lab.Bode pool - Impulse für kulturelle Bildung

Herausgegeben vom Referat Bildung, Vermittlung, Besucherdienste der Staatlichen Museen zu Berlin

www.lab-bode-pool.de/de/

Zu erbringende Leistungen:

-      Regelmäßige Teilnahme an allen Terminen des Blockseminars

-      Erprobung der Zugänge im Rahmen einer Veranstaltung für Studierende

-      Schriftliche Reflexion (10 Seiten)

Teilnahmezahl:

Max. 15 Studierende

Anmeldung erforderlich:

Ja 

Dozentin: Anna Ahrens: Anna.ahrens@grisebach.com

Mittwoch, 28. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Seminarraum in der TU H6124

Donnerstag, 29. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Freitag, 30. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Spätestens mit der Erfindung der Weltausstellungen in London (1851) und Paris (1855) war es kaum mehr zu übersehen: die Welt befand sich im Wandel. Die Zukunft verband sich mit der Gegenwart. Eindrucksstark führte schon das erste Großereignis in Paxtons aus Eisen und Glas modular zusammengesetztem Crystal Palace, der scheinbar über Nacht Londons Hyde Park besetzte, den staunenden Besuchern die Möglichkeiten eines Heute und die Visionen für eine Welt von Morgen vor Augen. Unter dem lichtschlossartigen Glasmantel präsentierten mit einem Schlag rund 17.000 Aussteller aus 28 Ländern neueste industrielle wie gewerbliche Produkte und zeigten technologische Entwicklungen an.

Nur vier Jahre später bot Paris neben Industrie und Gewerken auch der aktuellen Kunst die große Bühne - in einem nun eigens geschaffenem Palais des Beaux-Arts, für rund 5000 Werke von rund 2200 Künstlern aus genau 28 Ländern. Die Geschichte ist so bekannt wie bezeichnend. Während drinnen sich alles um die opulenten Werkschauen der französischen Großmeister Jean-Dominique-Auguste Ingres und Eugène Delacroix gruppierte und neben Künstlern wie dem stillen Camille Corot als auch anderen bedeutenden Malern der romantisch-realistischen Landschaftsschule von Barbizon eine schier unüberschaubare Anzahl von Salonmalern offiziell gewürdigt wurden, opponierte draußen Gustave Courbet in einem eigenen, schuppenartigen Pavillon unter der Aufschrift: „Le Réalisme. G. Courbet“.

Mehr denn je sahen die Künstler sich herausgefordert, für ihre eignen Evangelien zu kämpfen. Um ihre Werke nicht zuletzt angesichts der zunehmenden internationalen Konkurrenz einem größeren Publikum zeigen und somit verkaufen zu können, betraten sie alte als auch gänzlich neue Pfade - innerhalb und außerhalb des offiziellen Ausstellungssystems. Auf der Suche nach einer Sichtbarkeit, die frei und unabhängig war von Beschränkungen und akademischen Werturteilen, taten sie sich zu Künstlergruppen zusammen, organisierten eigene Ausstellungen und nutzen die sich nun vermehrt etablierenden, oft international vernetzten Galerien und Kunsthandlungen für die Präsentation und Vermittlung ihrer Kunst.

Im Anschluß an das vorangegangene Seminar zum Kunstbetrieb und Kunstmarkt des 19. Jahrhunderts wollen wir unsere Aufmerksamkeit nun noch einmal gezielt auf die Bedingungen, Initiativen und Einrichtungen lenken, die die Entwicklung der Kunst der Moderne ab der zweiten Jahrhunderthälfte und speziell in den Jahren um 1880 bis zur Machtergreifung der Nationalsozialisten begleitet haben. Unser besonderes Augenmerk lenken wir auf herausragende Akteure sowohl auf Seite der Künstler*innen als auch der privaten und institutionellen Einrichtungen wie den wichtigsten Kunsthandlungen und Galerien, Sezessionen, Messen, Auktionen. Berlin wurde in der Zeit um 1900 bis in die 20er Jahre als der „bedeutendste Markt nach Paris“ bezeichnet. Aber auch Köln, München, London, Wien und nicht zuletzt New York spielten eine starke Rolle im internationalen Kunst(markt)geschehen.

Wir haben das große Glück, dass die Sommerausstellung der Alten Nationalgalerie „Sezessionen. Liebermann, Klimt, von Stuck“ unser Seminarthema auf die schönste Art begleitet. Ziel ist es, die Referatsthemen mit einer Übung vor Originalen zu verbinden.

Das Seminar wird als Blockseminar angeboten. Es werden zwei von drei Terminen des Blockseminars vor Ort in der Alten Nationalgelarie stattfinden. Der Einführungstermin mit Verteilung der Referate ist ein Pflichttermin, da hier die wichtigsten Vorbesprechungen stattfinden.

Eine Referatsliste wird rechtzeitig vor dem Einführungstermin online gestellt.

Ich freue über Ihr Interesse und eine lustvoll engagierte Teilnahme.

Dozentin: Anna Ahrens: Anna.ahrens@grisebach.com

Mittwoch, 28. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Seminarraum in der TU H6124

Donnerstag, 29. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Freitag, 30. Juni / 10-15 Uhr

Ort: Alte Nationalgalerie / Ausstellung „Sezessionen“

Spätestens mit der Erfindung der Weltausstellungen in London (1851) und Paris (1855) war es kaum mehr zu übersehen: die Welt befand sich im Wandel. Die Zukunft verband sich mit der Gegenwart. Eindrucksstark führte schon das erste Großereignis in Paxtons aus Eisen und Glas modular zusammengesetztem Crystal Palace, der scheinbar über Nacht Londons Hyde Park besetzte, den staunenden Besuchern die Möglichkeiten eines Heute und die Visionen für eine Welt von Morgen vor Augen. Unter dem lichtschlossartigen Glasmantel präsentierten mit einem Schlag rund 17.000 Aussteller aus 28 Ländern neueste industrielle wie gewerbliche Produkte und zeigten technologische Entwicklungen an.

Nur vier Jahre später bot Paris neben Industrie und Gewerken auch der aktuellen Kunst die große Bühne - in einem nun eigens geschaffenem Palais des Beaux-Arts, für rund 5000 Werke von rund 2200 Künstlern aus genau 28 Ländern. Die Geschichte ist so bekannt wie bezeichnend. Während drinnen sich alles um die opulenten Werkschauen der französischen Großmeister Jean-Dominique-Auguste Ingres und Eugène Delacroix gruppierte und neben Künstlern wie dem stillen Camille Corot als auch anderen bedeutenden Malern der romantisch-realistischen Landschaftsschule von Barbizon eine schier unüberschaubare Anzahl von Salonmalern offiziell gewürdigt wurden, opponierte draußen Gustave Courbet in einem eigenen, schuppenartigen Pavillon unter der Aufschrift: „Le Réalisme. G. Courbet“.

Mehr denn je sahen die Künstler sich herausgefordert, für ihre eignen Evangelien zu kämpfen. Um ihre Werke nicht zuletzt angesichts der zunehmenden internationalen Konkurrenz einem größeren Publikum zeigen und somit verkaufen zu können, betraten sie alte als auch gänzlich neue Pfade - innerhalb und außerhalb des offiziellen Ausstellungssystems. Auf der Suche nach einer Sichtbarkeit, die frei und unabhängig war von Beschränkungen und akademischen Werturteilen, taten sie sich zu Künstlergruppen zusammen, organisierten eigene Ausstellungen und nutzen die sich nun vermehrt etablierenden, oft international vernetzten Galerien und Kunsthandlungen für die Präsentation und Vermittlung ihrer Kunst.

Im Anschluß an das vorangegangene Seminar zum Kunstbetrieb und Kunstmarkt des 19. Jahrhunderts wollen wir unsere Aufmerksamkeit nun noch einmal gezielt auf die Bedingungen, Initiativen und Einrichtungen lenken, die die Entwicklung der Kunst der Moderne ab der zweiten Jahrhunderthälfte und speziell in den Jahren um 1880 bis zur Machtergreifung der Nationalsozialisten begleitet haben. Unser besonderes Augenmerk lenken wir auf herausragende Akteure sowohl auf Seite der Künstler*innen als auch der privaten und institutionellen Einrichtungen wie den wichtigsten Kunsthandlungen und Galerien, Sezessionen, Messen, Auktionen. Berlin wurde in der Zeit um 1900 bis in die 20er Jahre als der „bedeutendste Markt nach Paris“ bezeichnet. Aber auch Köln, München, London, Wien und nicht zuletzt New York spielten eine starke Rolle im internationalen Kunst(markt)geschehen.

Wir haben das große Glück, dass die Sommerausstellung der Alten Nationalgalerie „Sezessionen. Liebermann, Klimt, von Stuck“ unser Seminarthema auf die schönste Art begleitet. Ziel ist es, die Referatsthemen mit einer Übung vor Originalen zu verbinden.

Das Seminar wird als Blockseminar angeboten. Es werden zwei von drei Terminen des Blockseminars vor Ort in der Alten Nationalgelarie stattfinden. Der Einführungstermin mit Verteilung der Referate ist ein Pflichttermin, da hier die wichtigsten Vorbesprechungen stattfinden.

Eine Referatsliste wird rechtzeitig vor dem Einführungstermin online gestellt.

Ich freue über Ihr Interesse und eine lustvoll engagierte Teilnahme.