Ansicht nach Raum A 072

Klosterbaukunst in Geschichte und Gegenwart

Seminar

Prof. Dr. Kerstin Wittmann-Englert

BA / MA

BA KulT KuWi 2, BA KulT KuWi 3, Freie Wahl

MA Kuwi 2

Montag, 10-12.00 Uhr

A 072

Klöster sind vielbesuchte, moderne Rückzugsorte. Einkehr, Stille, Kontemplation und Abgeschiedenheit kennzeichnen sie. Wir wollen im Seminar Ursprünge und Entwicklungen dieser Lebensformen nachvollziehen – und zwar insbesondere mit Blick auf Architektur und Struktur der Anlagen. „Die architektonische Disposition der Klosteranlage mit ihrer von Geometrie, Axialität und Symmetrie beherrschten Regularität erweist sich (…) als adäquater Ordnungsrahmen der monastischen Lebensform, als Umsetzung und Veranschaulichung des strikt geregelten Klosterlebens.“ Diese Aussage des Kunsthistorikers Bruno Reudenbach vor Augen, sollen die Teilnehmer:innen des Seminars unterschiedliche Ordensformen betrachten und deren architektonische Anlagen vergleichend analysieren. Zu untersuchen sind prominente Beispiele wie der St. Gallener Klosterplan, eine Planzeichnung auf fünf Pergamentblättern aus dem ersten Drittel des 9. Jahrhunderts, oder auch Cluny als das wohl wichtigste und einflussreichste Kloster in Europa, welches impulsgebend auf die Architektur von Pilgerkirchen und –klöstern wirkte. Beide Klöster – St. Gallen und Cluny – waren Benediktinergründungen und fußten somit auf den Regeln des Heiligen Benedikt von Nursia. Die Grundidee Benedikts für seinen Orden ist, wie es der Marburger Theologe Thomas Erne formulierte, eine auf die Nachfolge Christi bezogene, in sich geschlossene und sich selbstragende Gemeinschaft. Aus der Lebensform, die Benedikt für die Mönche entwarf, lassen sich die Grundzüge der Anlage des Klosters und der Kirche entwickeln. Die Abgeschlossenheit der Gemeinschaft führt zur Klostermauer, die dem Bautypus Kloster (lat. claustrum, dt. abgeschlossener Ort) den Namen gab. Da die Gemeinschaft sich selber trägt, hat sie innerhalb der Klostermauer alles, was sie zum Leben braucht, Wirtschaftsgebäude, Verwaltungsgebäude und natürlich Werkstätten.

Doch nicht nur die Klöster der Benediktiner werden im Seminar besprochen. Auch die Zisterzienser und natürlich Bettelorden wie jene der Dominikaner und Franziskaner werden hinsichtlich der baulichen Gestaltung ihrer Klosteranlagen zu untersuchen sein. Ebenso werden wir uns der besonderen Form der Kartäuserklöster widmen, die u.a. Le Corbusier nachhaltig prägten, und darüber hinaus Frauenklöstern. Eingeschlossen sind auch Stadtklöster wie die Cella St. Benedikt in Hannover (2010/11) oder auch jenes in Zürich, das ohne festen Sitz ist. Mit letzterem verbindet sich die Frage, welche Bedeutung der Architektur in dieser gemeinschaftlichen Lebensform zukommt – auch in heutiger Zeit. 

Kolloquium für Studierende des Masters Kunstwissenschaft

CO

Dr. Andrea Meyer

MA

Mo 16-18 Uhr

A 072

Das Kolloquium richtet sich an Studierende des Masterstudiengangs Kunstwissenschaft, die ihre Masterarbeit in Absprache mit mir planen oder bereits angemeldet haben. 

Thinking techne

SE

Prof. Dr. Magdalena Bushart

MA

MA KuWi 1, 2, 3a, 6a, 7a

Dienstag, 10.00-13.00

A 072

Seit knapp drei Jahren beschäftigt sich die interdisziplinäre DFG--Forschungsgruppe „Dimensionen der techne in den Künsten“ mit Aspekten des Kunstmachens. Dazu gehören unter anderem auch Fragen methodischer Art: Welche Rolle spielt das Material im Herstellungsprozess? Was können wir in der Analyse der Artefakte über das „Machen“ erfahren? Welchen Stellenwert nimmt der Prozess zu unterschiedlichen Zeiten ein? Wie werden Prozesse in Sprache übersetzt, kunsttechnische Verfahren tradiert und Bewertungsmodelle etabliert? Die Tagung „Thinking techne“, mit der die Gruppe Anfang November Zwischenbilanz ziehen wird, dient uns als Ausgangspunkt, um im Seminar unsererseits Antworten auf diese Fragen zu suchen. Wir wollen uns kritisch mit den Schlüsseltexten aus dem Themenbereich der techne beschäftigen und sie an Fallbeispielen erproben. Am Ende soll ein studentischer Studientag stehen, an dem wir unsere Ergebnisse präsentieren.

Die Teilnahme an den drei öffentlichen Sektionen der Tagung (2.11.-4.11.) ist Voraussetzung für eine sinnvolle Arbeit im Seminar, ebenso die Teilnahme am Studientag Mitte Februar. Die wöchentlichen Sitzungen werden in der Regel zweistündig von 10.00-12.00 Uhr, in der Vorbereitungsphase für den Studientag allerdings dreistündig sein. Das Seminar kann auch im Rahmen eines Projekts (MA KuWi 7a) besucht und mit einem Studienprojekt abgeschlossen werden.

Methodenseminar: Wer hat Angst vor Chatgpt? Möglichkeiten und Grenzen der Herstellung kunsthistorischer Arbeiten mit AI-Programmen

SE

Prof. Dr. Savoy

BA Kuwi 4, Freie Wahl

MA 3a, 7a

Di 14-16 Uhr

A 072

Sprachroboter verändern den Wissenschaftsbetrieb nachhaltig. Schulen und Universitäten reagieren auf die neuen Herausforderungen mit unterschiedlichen, nicht selten angstgeleiteten Mitteln. In diesem experimentellen Seminar soll es darum gehen, die Funktionsweise von interaktiven Sprachmodellen wie ChatGpt zu verstehen und einen kritischen Umgang mit ihnen zu erlernen. Dafür wollen wir gemeinsam mit Hilfe eines interaktiven Sprachmodells Texte zu bestimmten kunsthistorischen Themen produzieren und das Ergebnis kritisch untersuchen. Dies wird durch eine vertiefte intellektuelle und bibliographische Auseinandersetzung mit dem jeweiligen Thema erfolgen. Darüber hinaus werden wir uns fragen: Was macht eine exzellente kunsthistorische Arbeit aus? Wir wollen von Woche zur Woche einerseits die automatisch generierten Texte mit eigenen Erkenntnissen, mit Zitaten und Anmerkungen „anreichern“ und mit korrekten Zitierungen und Quellenangaben und vor allem mit der Angabe, was vom Chatbot kommt und was von der Studierenden versehen. Andererseits die auftretenden Probleme und potenzielle bias der AI (hat Chat-GPT eine Tendenz, ganze Personengruppen zu marginalisieren? Woher kommen die Datensätze, die die AI benutzt?) in der Runde erläutern und gemeinsam Lösungsideen entwickeln. Die Idee zum Seminar verdanken wir der Uni Bern (Prof. Beate Fricke)

Die gemeinsam mit der AI zu bearbeitenden Themen werden in der ersten Sitzung bekannt gegeben.

queere Kunstgeschichte | Kunstgeschichte queeren

SE          

Merten Lagatz 

MA + BA

BA KuWi 3, BA KuWi 4, BA KuWi 5 | MA KuWi 2, MA KuWi 3a, MA KuWi 4, MA KuWi 7a | FW

Dienstag, 16-18 Uhr

A 072

“To queer something, whether it’s a text, a story, or an identity, is to take a look at its foundations and question them. We can explore its limits, its biases, and its boundaries. We can look for places where there’s elasticity or discover ways we can transform it into something new. To queer is to examine our assumptions and decide which of them we want to keep, change, discard, or play with.”

(Charlie Glickman, Queer is a Verb, 2012, online at: https://new.charlieglickman.com/queer-is-a-verb/)

Was sind die im Zitat aufgeworfenen Fundamente der kunstwissenschaftlichen Wissensproduktion und wie lassen sie sich kritisch be-/hinterfragen? Wie verändern queere Sprechpositionen unseren Blick auf / unser Nachdenken über Kunst?

Ausgehend von diesen Fragen wurde der Kurs als angewandtes Methodenseminar konzipiert. Mithilfe kunstzentrierter Lektüren werden wir uns gemeinsam zentralen Diskursen der Queer Studies / Queer Theory nähern. Wir wollen erfahren und diskutieren, wie sich Binaritäten auflösen lassen, warum failure eine gewinnbringende Kategorie sein kann und was kinship mit dem Denken und Gestalten sozialer Beziehungen macht. In der zweiten Semesterhälfte werden die Seminarteilnehmer:innen dazu eingeladen, kunstwissenschaftliche Praxis eigenständig zu queeren.

Der Kurs richtet sich vornehmlich an Masterstudierende. Student:innen im BA sollten ein Grundwissen zu kunstwissenschaftlichen Methoden und/oder eine Sensibilität für queertheoretische Diskurse mitbringen. Interessierte sollten sich im Umgang mit englischsprachiger Fachliteratur sicher fühlen und rege Diskussionsfreude mitbringen. Heteronormative Annahmen werden diskutiert, aber nicht toleriert. Der Kurs ist auf 25 Teilnehmer:innen beschränkt. Die Seminarplätze werden im Anschluss an die Einführungssession vergeben.

Gustav Friedrich Waagen

SE

Robert Skwirblies

MA Kuwi 3a, 3b

Mi 12-14

A072

Für die Berliner Museumsgeschichte ist er ebenso eine Größe wie für die europäische Kunstgeschichtsschreibung des 19. Jahrhunderts: Gustav Friedrich Waagen (1794-1868). Das Seminar untersucht Werdegang und Wirkung dieses lange unterschätzten, doch durch seine Arbeiten bis heute prägsamen Kunsthistorikers. Im Mittelpunkt stehen Fragen der Methodengeschichte, der Kennerschaft, kultur- und regionalhistorische Details zwischen Preußen, England und Italien, Museums- und Sammlungsgeschichte, nicht zuletzt auch die Frage nach der Selbstverortung heutiger Wissenschaft und Kunstbetrachtung. Die Schriften Waagens selbst sind dafür erste Grundlage, die Forschung über ihn und die Berliner Museen bieten reiches Material zur inhaltlichen und methodischen Arbeit.

Literatur: Gustav Friedrich Waagen, Verzeichniss der Gemälde-Sammlung des Königlichen Museums zu Berlin, Berlin 1830; Gustav Friedrich Waagen, Kleine Schriften, hg. v. Alfred Woltmann, Berlin 1875; Irene Geismeier u. a., Gustav Friedrich Waagen – Symposium 1994, in: Jahrbuch der Berliner Museen, N.F., 37, 1995, S. 7–92; Gabriele Bickendorf, Die „Berliner Schule“, in: Klassiker der Kunstgeschichte, hg. v. Ulrich Pfisterer, München 2007, S. 46-61; Horst Bredekamp u. Adam S. Labuda, Kunstgeschichte, Universität, Museum und die Mitte Berlins 1810-1873, in: In der Mitte Berlins. 200 Jahre Kunstgeschichte an der Humboldt-Universität, hg. v. dens., Berlin 2010, S. 25-54; David Ekserdjian, Gustav Friedrich Waagen and the Treasures of Art in Great Britain, in: I conoscitori tedeschi tra Otto e Novecento, hg. v. Francesco Caglioti, Andrea De Marchi u. Alessandro Nova, Mailand 2018, S. 52–60

Game Over – Gaming Culture und Kunst

SE          

Merten Lagatz 

BA + MA

BA KuWi 3 | MA KuWi 2 | FW

Mittwoch, 14-16 Uhr

A 072

„Welcome to gamespace. It’s everywhere, this atopian arena, this speculation sport. No pain no game. No guts no glory. Give it your best shot. There’s no second place. Winner take all. Here’s a heads up: in gamespace, even if you know the deal, are a player, have got game, you will notice, all the same, that the game has got you. Welcome to the thunderdome. Welcome to the terrordome. Welcome to the greatest game of all. Welcome to the playoffs, the big league, the masters, the only game in town. You are a gamer whether you like it or not, now that we all live in a gamespace that is everywhere and nowhere.”

(McKenzie Wark, Agony (on The Cave), in: Gamer Theory, Harvard University Press: Cambridge u.a 2007, [001])

Die Medien- und Kulturtheoretikerin McKenzie Wark denkt Mitte der Nullerjahre ihren kulturtheoretischen Essay für das beginnende Jahrtausend Gamer Theory ausgehend von der Denkfigur Welt als Gamespace. Zehn Jahre später löste der Release von Pokemon Go (2016) irl endgültig in einer weltumspannenden AR-Gameexperience auf. Wie Gaming Culture zu einem der zentralen Referenzsysteme globaler Popkultur aufgestiegen ist und sich in aktueller Kunstproduktion abbildet, wollen wir im Seminar gemeinsam ergründen.

Wir werden uns anschauen, wie sich Spiellogik in kuratorischen Narrativen wiederfindet. Lektüren aus Game und Gamer Theory in ihrer Anwendung auf aktuelle Kunstweltdiskurse diskutieren und uns mit der Ausstellungsgeschichte von Gaming Culture auseinandersetzen. In der zweiten Seminarhälfte werden die Seminarteilnehmer:innen gemeinsam eine imaginierte Ausstellung über Gaming Culture und ihre Repräsentation in aktueller Kunstproduktion kuratieren.

Interessierte sollten sich im Umgang mit englischsprachiger Fachliteratur sicher fühlen und rege Diskussionsfreude mitbringen. Der Kurs ist auf 25 Teilnehmer:innen beschränkt. Die Seminarplätze werden im Anschluss an die Einführungssession vergeben.

Mittelalterliche Schatzkunst im Kunstgewerbemuseum – Typologie, Materialität, Funktion und Präsentation

SE

Stephanie Schüler

BA+MA

BA-KulT KuWi 2, BA-KulT KuWi 5, BA-KulT KuWi 6, MA-KuWi 1, MA-KuWi 4

Mittwoch 16-18 Uhr

A072

Was bezeichnet der Begriff ‘Schatzkunst’? Was definiert einen ‘Schatz’? Und warum können wir heute Schätze des Mittelalters im Museum begutachten? Anhand verschiedener Artefakte des Kunsthandwerks vom 11. bis zum 15. Jahrhundert aus der Sammlung des Kunstgewerbemuseums in Berlin möchte das Seminar diesen und weiteren Fragen, beispielsweise nach historischer Funktion und Bedeutung, den ökonomischen Dimensionen und der Herstellung jener kostbaren Erzeugnisse auf die Spur kommen. Das breite zeitliche Spektrum ermöglicht es, die Entwicklung der Formen der Kleinodien, ihre stilistischen Charakteristika sowie den Wandel ihrer technischen Fertigungsprozesse nachzuempfinden. Dabei soll neben dem objektnahen Studium auch die wechselvolle Geschichte des Kunstgewerbemuseums und seiner Sammlung kennengelernt und im Kontext der Entstehung der Berliner Museumslandschaft reflektiert werden.

Im Zentrum des Seminars wird die Beschäftigung mit den in Berlin beherbergten Kunstwerken des sog. Welfenschatzes stehen. Neben den zum Welfenschatz zugehörigen Aufbewahrungsbehältnissen für Reliquien, werden uns außerdem liturgisches Messgerät, Textilien zur Schmückung des Kirchenraums und die Kleidung Geistlicher sowie weitere mittelalterliche Kostbarkeiten aus Edelmetallen, Glas, Elfenbein, Bergkristall, Perlen und Edelsteinen, aber auch aus natürlichen Materialien wie Kokosnussschalen, Knochen, Horn, Straußeneiern oder Schneckengehäusen interessieren. Mithilfe der Lektüre eines der wichtigsten mittelalterlichen Kunsttraktate aus dem frühen 12. Jh., der Schedula diversarum artium des Theophilus Presbyter, sollen Auskünfte zum historischen Verständnis des Kunsthandwerks erarbeitet und Techniken der Goldschmiedearbeit kennengelernt werden.

Darüber hinaus versucht das Seminar die Verlagerungs- und Bewertungsprozesse der mittelalterlichen Schatzkunstobjekte nachzuvollziehen: Woher stammen die Kunstwerke? Welche Bedeutung wurde ihnen zuteil? Und auf welchem Weg kamen sie schließlich ins Museum? Anschließend wollen wir auch darüber diskutieren, wie Schatzkunst sakraler Herkunft heute angemessen museal präsentiert werden kann.

Es können grundlegende Kenntnisse zu verschiedenen Materialien, Herstellungsverfahren, Funktionsbestimmungen sowie zu ikonografischen Motiven von Kunst- und Kulturgütern des christlichen Mittelalters erworben werden. Mehrere Unterrichtseinheiten werden vor Ort im Berliner Kunstgewerbemuseum am Kulturforum und als Doppelsitzungen stattfinden. Die Teilnahme ist daher auf 15 Plätze beschränkt. Diese Termine werden in Absprache mit den Studierenden zu Beginn des Semesters festgelegt. Bitte berücksichtigen Sie diesen Umstand bei der Planung Ihrer Lehrveranstaltungen.

Einführende Literatur

Gerd Althoff u. a. (Hrsg.): Goldene Pracht. Mittelalterliche Schatzkunst in Westfalen, Ausst.-Kat., LWL-Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, Münster und Domkammer der Kathedralkirche St. Paulus, Münster, 2012, München 2012.

Klaus Gereon Beuckers u. a. (Hrsg.): Typen mittelalterlicher Reliquiare zwischen Innovation und Tradition. Beiträge einer Tagung des Kunsthistorischen Instituts der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel am 22. Oktober 2016 (= Objekte und Eliten in Hildesheim 1130 bis 1250, Bd. 2), Regensburg 2017.

Monika Bierschenk (Hrsg.): Kunstgewerbemuseum Berlin. Bildführer: Kunsthandwerk vom Mittelalter bis zur Gegenwart (= Kataloge des Kunstgewerbemuseums, Bd. 10), Berlin 1985.

Erhard Brepohl: Theophilus Presbyter und das mittelalterliche Kunsthandwerk. Gesamtausgabe der Schrift ‚De diversis artibus’ in zwei Bänden, 2 Bde., Köln u. a. 1999.

Philippe Cordez: Schatz, Gedächtnis, Wunder. Die Objekte der Kirchen im Mittelalter (= Quellen und Studien zur Geschichte und Kunst im Bistum Hildesheim, Bd. 10), Regensburg 2015.

Joachim Ehlers u. a. (Hrsg.): Der Welfenschatz und sein Umkreis, Mainz 1998.

Dietrich Kötzsche: Der Welfenschatz im Berliner Kunstgewerbemuseum (= Bilderhefte der Staatlichen Museen Preußischer Kulturbesitz, Bd. 20/21), Berlin 1973.

Jochen Luckhardt u. a. (Hrsg.): Heinrich der Löwe und seine Zeit. Herrschaft und Repräsentation der Welfen 1125–1235, Ausst.-Kat, Herzog Anton Ulrich Museum in Braunschweig 1995, 4 Bde., München 1995.

Barbara Mundt: Museumsalltag vom Kaiserreich bis zur Demokratie. Chronik des Berliner Kunstgewerbemuseums (= Schriften zur Geschichte der Berliner Museen, Bd. 5), Köln u. a. 2018.

Bruno Reudenbach u. a. (Hrsg.): Reliquiare im Mittelalter (= Hamburger Forschungen zur Kunstgeschichte, Bd. 5), 2. durchges. Aufl., Berlin 2011 (1. Aufl. 2005).

Johann Gottfried Schadow

SE

Robert Skwirblies

BA Kuwi 3, 7

Do 10-12

A072

Der Bildhauer Johann Gottfried Schadow (1764–1850) gilt als prägend(st)e Gestalt des Berliner Kunstlebens im frühen 19. Jahrhundert: Seine Arbeiten wurden rasch maßgeblich für Kollegen und Schüler, sie gewannen beim Publikum große Popularität, die bis heute anhält. Als Direktor der Kunstakademie besaß er institutionell Macht und Gestaltungsraum, auch seine Söhne wurden einflussreiche Künstler. Schließlich übten auch Schadows Schriften eine nachhaltige Wirkung aus, sowohl auf die Zeitgenossen als auch die späteren Generationen. Das Seminar kann daher die Person und ihre Bedeutung von vielen Standpunkten aus untersuchen: mit der Frage nach künstlerischer Originalität und Qualität, nach Stil, Form und Abhängigkeiten; die Berliner Kunstlandschaft und Gesellschaft spielen ebenso eine Rolle wie das Verhältnis von Staat und Kulturpolitik. Zunächst geht es im Seminar um einen Überblick der Kunst- und Künstlergeschichte des frühen 19. Jahrhunderts, auch um Berliner Lokalgeschichte. In der Auseinandersetzung mit den Quellen sollen darüber hinaus zum einen die Selbstinszenierung Schadows und zum anderen die Narrative der Kunst- und Regionalgeschichtsschreibung konturiert werden. Geplant ist ein Exkursionstag (Alte Nationalgalerie/Friedrichwerdersche Kirche).

Literatur: Hans Mackowsky, Die Bildwerke Gottfried Schadows, Berlin 1951; Götz Eckardt (Hg.), Johann Gottfried Schadow: Kunstwerke und Kunstansichten. Ein Quellenwerk zur Berliner Kunst- und Kulturgeschichte zwischen 1780 und 1845, 3 Bände, Berlin 1987; Bernhard Maaz (Hg.), Johann Gottfried Schadow und die Kunst seiner Zeit (Ausst.-Kat. Düsseldorf, Kunsthalle), Köln 1994; Sibylle Badstübner-Gröger u. a. (Hg.), Johann Gottfried Schadow: Die Zeichnungen, 3 Bände, Berlin 2006; Claudia Czok (Hg.), Unser Schadow: Gratulationen zum 250. Geburtstag (Ausst.-Kat. Berlin, Stiftung Stadtmuseum), Berlin 2014 

"Stil, Form, Ismus. Eine kritische Architekturhistoriographie 1910-1980"

SE

Dr. Christian Welzbacher, kontakt@werkbund-berlin.de

BA + MA

BA: 3, 5; MA: 2, 4, 7a

Freitags, 10-12 Uhr , Start des Seminars und Einführung: 27. Oktober (2. Vorlesungswoche!)

Eine Folge von Stilen, Formen und Ismen - also von sekundären Zuschreibungen - begleitet die Architekturentwicklung der Moderne. Wir blicken exemplarisch auf die vermeintlich zentralen Strömungen von "Um 1800", "International style", "Bauhausstil", "Brutalismus", Postmoderne", "Neuer Regionalismus" und untersuchen, wie die Kategorien entstehen, welche Intentionen dahinter stehen, welche Entwicklungen dadurch ausgeschlossen werden und was die Konsequenzen für unsere Wahrnehmung der Architektur/Architekturgeschichte insgesamt sind.

Unsere Seminararbeit wird in eine Ausstellung zum Thema „Formfragen: Funktion, Maschine, Gestalt“ (Arbeitstitel) aus Anlaß des 100-jährigen Jubiläums der Werkbund-Ausstellung „Die Form ohne Ornament“ (1924) fließen.

Literatur:

Vittorio Magnago Lampugnani: Die Geschichte der Geschichte der „Modernen Bewegung“ in der Architektur 1925-1941, in: Moderne Architektur in Deutschland. Expressionismus und Neue Sachlichkeit. Hrsg. von Vittorio Magnago Lampugnani und Romana Schneider. Stuttgart 1994, S. 272-295.

Reyner Banham: Die Revolution der Architektur. Theorie und Gestaltung im Ernsten Maschinenzeitalter. (1960) Reinbek 1964

Methoden und Ansätze der Kunstgeschichte

Seminar

Prof. Dr. Kerstin Wittmann-Englert

BA Kult KuWi 4

Do, 12-14.00

Wer Kunstgeschichte studiert – auch im Rahmen eines übergreifenden Studienganges wie „Kultur & Technik“ –, sollte sich mit den Methoden des Faches auseinandersetzen. Namen wie Erwin Panofsky, Heinrich Wölfflin, Aby Warburg, Hans Belting und Wolfgang Kemp haben einige schon einmal gehört. Doch ist damit nicht zwingend die Lektüre ihrer Schriften bzw. eine Auseinandersetzung mit ihren Gedanken verbunden.

Das Seminar versteht sich als Einführung in kunstgeschichtliche Methoden und Ansätze: Es spannt den Bogen von den „Klassikern der Kunstgeschichte“ wie Formgeschichte, Ikonologie und Ikonografie über die jüngeren Ansätze der Rezeptionsästhetik und Bildanthropologie bis hin zu den Gender Studies und den Postcolonial Studies.

Im Zentrum steht die kritische Reflexion kunstwissenschaftlicher Methoden auf der Basis ausgewählter Texte. Denn ein Kunstwerk ermöglicht verschiedene Zugänge, sprich: die Wahl der Methode bestimmt Argumentation und Erkenntnisgewinn.

Einführende Literatur:

Belting, Hans u.a.: Kunstgeschichte. Eine Einführung, Berlin 1986.

Brassat, Wolfgang/Kohle, Hubertus: Methoden-Reader Kunstgeschichte. Texte zur Methodik und Geschichte der Kunstwissenschaft, Köln 2003.

Busch, Werner (Hg.): Funkkolleg Kunst. Eine Geschichte der Kunst im Wandel ihrer Funktionen (Neuausgabe), München 1997.

Dilly, Heinrich (Hg.): Altmeister moderner Kunstgeschichte, Berlin 1990.

Zimmermann, Anja (Hg.): Kunstgeschichte und Gender. Eine Einführung, Berlin 2006.

Berlin in der frühen Kaiserzeit (1870-1888)

SE

Robert Skwirblies

MA Kuwi 2, 4

Do 14-16

A072

Das Seminar beschäftigt sich mit der Berliner Stadt- und Kunstgeschichte in der „Gründerzeit“, wie die Epoche nach der Reichsgründung 1870/71 bis zur Jahrhundertwende genannt wurde; der Blick liegt dabei auf der Zeit vor Regierungsantritt Wilhelms II. Je nach Blickwinkel wird diese kurze Periode meist entweder als Auftakt zur Kaiser- und Weltstadt hin betrachtet, oder als Verschwinden der beschaulichen Residenz, wie sie von Schlüter bis Schinkel geprägt worden war. Doch wie abrupt wandelte sich Berlin wirklich in der Herrschaftszeit Wilhelms I. – gab es tatsächlich den Sprung von der Provinz- zur Weltstadt? Wer waren die aktiven und wahrgenommenen Künstler und Künstlerinnen der Zeit, welche Bedeutung hatten die Museen vor Bode, welche Kunstsammler und -händler gab es? Wie wirkten sich die Industrialisierung, die neue politische Verfassung, die Veränderungen in Technik und Kommunikation auf das Stadtleben aus – gerade mit Blick auf die Bildenden Künste, Literatur, Architektur und Stadtlandschaft? Diesen Fragen geht das Seminar nach, indem Quellen und Literatur – die es zur Kaiserzeit reichlich gibt – gezielt durchsucht und hinterfragt werden. 

Literatur: Felix Escher, Berlin und sein Umland. Zur Genese der Berliner Stadtlandschaft bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts, Berlin 1985; Helmut Engel, Wolfgang Ribbe (Hg.), Hauptstadt Berlin – Wohin mit der Mitte? Historische, städtebauliche und architektonische Wurzeln des Stadtzentrums, Berlin 1993; Julius H. Schoeps (Hg.), Berlin – Geschichte einer Stadt, Berlin 2001; Ulrike Laufer, Hans Ottomeyer (Hg.), Gründerzeit: Industrie und Lebensträume zwischen Vormärz und Kaiserreich (Ausst.-Kat. Berlin, DHM), Dresden 2008; Janos Frecot, Helmut Geisert, Berlin: Frühe Photographien 1857–1913, München 1984; Miriam Paeslack, Berlin in frühen Photographien: 1850-1914, München 2015

Museumsreformerinnen im frühen 20. Jahrhundert – Annäherungen an neue Genderperspektiven in der Museumsgeschichtsforschung

SE

Dr. Kristina Kratz-Kessemeier und Dr. Andrea Meyer

MA

MA KUWI 3b, 2

Do, 16-19 Uhr (3st.)

A 072

Der Anteil an Wissenschaftlerinnen, die heute im kuratorischen Bereich oder in Führungspositionen an Museen in Deutschland arbeiten, ist groß. An Kunst-, Volkskunde- oder Heimatmuseen etwa liegt die Leitung zu gut 50 Prozent in den Händen von Frauen. Ein solch ausgeglichenes Geschlechterverhältnis unter Museumsleuten war nicht immer selbstverständlich. Im Gegenteil, im ausgehenden Kaiserreich zählte die Hamburger Journalistin Else Grüttel in ihrer Bestandsaufnahme von 1913 deutschlandweit keine einzige Museumsdirektorin und nicht einmal ein halbes Dutzend Volontärinnen und Assistentinnen an Häusern in Berlin, Leipzig, München und Trier. Noch 1930 gab es unter den annähernd 500 Museumsangestellten, die das Jahrbuch der deutschen Museen erfasste, nur 18 Frauen (knapp vier Prozent). Selbst der fortschrittliche Museumsakteur Wilhelm Waetzoldt, Generaldirektor der Staatlichen Museen zu Berlin, schrieb 1932 weiterhin: Mit der Ablösung der Künstler durch Gelehrte an der Spitze öffentlicher Sammlungen habe sich ein „besonderer Typus des Kunstforschers“, „ein eigener wissenschaftlicher Beruf“ herausgebildet: „der Museumsmann“.

Ein zweiter, gründlicherer Blick in die Museumsgeschichte zeigt indes: Es waren schon im Kaiserreich, dann aber vor allem während der Weimarer Republik weitaus mehr akademisch ausgebildete Frauen an deutschen Museen tätig als die hier zitierten Quellen vermuten lassen. Viele arbeiteten zwar auch nach ihrer Promotion in befristeten, unbezahlten Stellen, wurden niemals oder erst spät in ihrer Karriere befördert. Dennoch leisteten sie in der Reformära 1900-1933 einen erheblichen Beitrag zum Wandel der Institution Museum vom Tempel der Kunst und Wissensspeicher hin zum für alle offenen Bildungs- und Publikumsort. Als Kuratorinnen, Sammlungsleiterinnen, selbst als Volontärinnen oder „Hilfswissenschaftlerinnen“ machten sie sich Kernaufgaben des Museums, etwa in der Forschung oder Dokumentation, in der Ausstellungs- oder Vermittlungsarbeit, zu eigen, entwickelten sie weiter und setzten so Zeichen für eine neue, demokratische Idee vom Museum im 20. Jahrhundert.

In unserem Seminar wollen wir die Beiträge der Frauen zur Genese des modernen Museums ebenso wie die Herausforderungen, denen sie sich im frühen 20. Jahrhundert zu stellen hatten, ins Blickfeld rücken. Wie aber kann es gelingen, ihre Karrieren und Aktivitäten erstmals überhaupt genauer zu rekonstruieren? Welche Quellen gilt es zu befragen, welche Hilfsmittel können genutzt werden? Über Fragen zur unmittelbaren Forschungspraxis hinaus setzen wir uns kritisch mit der Historiografie auseinander, in der Wissenschaftlerinnen am Museum, wie schon bei Waetzoldt 1932, noch immer allzu wenig präsent sind. Inwieweit beförderten patriarchale Denk- und Sprachmuster in der Kunst- und Museumsgeschichte das Vergessen von Frauenkarrieren am Museum? (Wann) hat sich der Diskurs verändert und warum?

Hinweis: Vor-Ort-Besuche in Archiven und Ausstellungen sind geplant. Die Teilnahme am Schöne-Vortrag (20.11.2023), der das Seminarthema aus internationaler Perspektive beleuchtet, wird vorausgesetzt.

"Stil, Form, Ismus. Eine kritische Architekturhistoriographie 1910-1980"

SE

Dr. Christian Welzbacher, kontakt@werkbund-berlin.de

BA + MA

BA: 3, 5; MA: 2, 4, 7a

Freitags, 10-12 Uhr , Start des Seminars und Einführung: 27. Oktober (2. Vorlesungswoche!)

Eine Folge von Stilen, Formen und Ismen - also von sekundären Zuschreibungen - begleitet die Architekturentwicklung der Moderne. Wir blicken exemplarisch auf die vermeintlich zentralen Strömungen von "Um 1800", "International style", "Bauhausstil", "Brutalismus", Postmoderne", "Neuer Regionalismus" und untersuchen, wie die Kategorien entstehen, welche Intentionen dahinter stehen, welche Entwicklungen dadurch ausgeschlossen werden und was die Konsequenzen für unsere Wahrnehmung der Architektur/Architekturgeschichte insgesamt sind.

Unsere Seminararbeit wird in eine Ausstellung zum Thema „Formfragen: Funktion, Maschine, Gestalt“ (Arbeitstitel) aus Anlaß des 100-jährigen Jubiläums der Werkbund-Ausstellung „Die Form ohne Ornament“ (1924) fließen.

Literatur:

Vittorio Magnago Lampugnani: Die Geschichte der Geschichte der „Modernen Bewegung“ in der Architektur 1925-1941, in: Moderne Architektur in Deutschland. Expressionismus und Neue Sachlichkeit. Hrsg. von Vittorio Magnago Lampugnani und Romana Schneider. Stuttgart 1994, S. 272-295.

Reyner Banham: Die Revolution der Architektur. Theorie und Gestaltung im Ernsten Maschinenzeitalter. (1960) Reinbek 1964

"Stil, Form, Ismus. Eine kritische Architekturhistoriographie 1910-1980"

SE

Dr. Christian Welzbacher, kontakt@werkbund-berlin.de

BA + MA

BA: 3, 5; MA: 2, 4, 7a

Freitags, 10-12 Uhr , Start des Seminars und Einführung: 27. Oktober (2. Vorlesungswoche!)

Eine Folge von Stilen, Formen und Ismen - also von sekundären Zuschreibungen - begleitet die Architekturentwicklung der Moderne. Wir blicken exemplarisch auf die vermeintlich zentralen Strömungen von "Um 1800", "International style", "Bauhausstil", "Brutalismus", Postmoderne", "Neuer Regionalismus" und untersuchen, wie die Kategorien entstehen, welche Intentionen dahinter stehen, welche Entwicklungen dadurch ausgeschlossen werden und was die Konsequenzen für unsere Wahrnehmung der Architektur/Architekturgeschichte insgesamt sind.

Unsere Seminararbeit wird in eine Ausstellung zum Thema „Formfragen: Funktion, Maschine, Gestalt“ (Arbeitstitel) aus Anlaß des 100-jährigen Jubiläums der Werkbund-Ausstellung „Die Form ohne Ornament“ (1924) fließen.

Literatur:

Vittorio Magnago Lampugnani: Die Geschichte der Geschichte der „Modernen Bewegung“ in der Architektur 1925-1941, in: Moderne Architektur in Deutschland. Expressionismus und Neue Sachlichkeit. Hrsg. von Vittorio Magnago Lampugnani und Romana Schneider. Stuttgart 1994, S. 272-295.

Reyner Banham: Die Revolution der Architektur. Theorie und Gestaltung im Ernsten Maschinenzeitalter. (1960) Reinbek 1964

Botticelli

 SE

Alexander Röstel

BA

BA-KulT KuWi 2, 5, 6

Freitag 12-14 Uhr

A 072

Der kometenhafte Aufstieg, den der Florentiner Maler Sandro Botticelli (1445-1510) erlebt hat, ist in der Kunstgeschichte einzigartig. Während sich einige seiner Künstlerkollegen, darunter Leonardo da Vinci und Michelangelo, steter Beliebtheit erfreut haben, ist Botticelli nach seinem Tod nahezu in Vergessenheit geraten und erst im 19. Jahrhundert einer Neubewertung unterzogen worden. Dafür hat man sich seither umso intensiver mit seinem Leben und Schaffen auseinandergesetzt, was sich in einer äußerst vielseitigen Literatur widerspiegelt. Sein bekanntestes Werk, Die Geburt der Venus, steht heute nicht nur sinnbildlich für eine ganze Epoche, sondern ist dank unzähliger Interpretationen und Vervielfältigungen – bis hin zu Kühlschrankmagneten – einem breiten Publikum präsent.

Das Seminar setzt es sich zum Ziel, Botticellis Werk an seine Ursprünge zurückzuverfolgen und in all seinen Facetten auszuleuchten. Dieser monografische Ansatz ermöglicht ein tiefgreifendes Verständnis des historischen und künstlerischen Kontexts, in dem Botticelli operiert hat. Im Zentrum jeder Veranstaltung steht jeweils ein sorgfältig ausgewähltes Werk, das unterschiedliche methodologische Ansätze zulässt. Die teilnehmenden Studierenden haben somit im Rahmen von Hausarbeiten und Referaten die Möglichkeit, sich anhand gezielter Fragestellungen zu den von Ihnen präferierten Objekten selbst zu verorten und Forschungsinteressen nachzugehen.

Einen besonderen Schwerpunkt innerhalb des Seminars bilden die Werke des Künstlers, die an Berliner Sammlungen bewahrt werden und die im Rahmen von Exkursionen gesondert besprochen werden sollen. Darüber hinaus werden nicht nur viel zitierte Hauptwerke, wie die Primavera, die Fresken der Sixtinischen Kapelle oder die Zeichnungen zu Dantes Göttlicher Komödie in den Blickpunkt gerückt, sondern auch weniger bekannte Arbeiten, die jüngsten Forschungsergebnissen Rechnung tragen und somit ein vielschichtiges Bild vom Künstler schaffen. 

Original und Kopie: Zwischen Imitation und Innovation in der Kunst und Architektur von der Antike bis zur Moderne

SE

Dr. Alexander Röstel

MA

1, 3a, 5, 6a

freitags 16-18 Uhr

A 072

Anhand ausgewählter Fallstudien beleuchtet dieses Seminar Praktiken künstlerischer Nachahmung. Ziel ist es, den produktiven Umgang mit Vorbildern im Verlauf der Geschichte nachzuzeichnen. Ein breites chronologisches, geografisches und mediales Spektrum soll die Komplexität des Konzepts der Kopie und verwandter Begriffe aufzeigen. Im Zentrum der Untersuchungen stehen neben technischen Verfahren auch grundlegende Textquellen. Einen Schwerpunkt bilden Objekte an Berliner Sammlungen, die im Rahmen von Exkursionen erschlossen werden sollen.