Ansicht nach Raum A 072

Eisen ist ein bereits seit der Antike bekannter Baustoff. Doch während es in Antike und Mittelalter zur Verankerung vor allem bei Gewölben und Kuppeln begegnet, wird es ab Mitte des 18. Jahrhunderts zu einem selbständigen, Stein oder Holz ersetzenden konstruktiven Material in der Baukunst. Seine eigentliche Geschichte beginnt auf der Basis der technischen Möglichkeiten der Verhüttung tatsächlich erst in der frühen Moderne. „Das Eisen hat in der Bautätigkeit des 19. Jahrhunderts eine so wesentliche, in schnellster Steigerung begriffene Bedeutung gewonnen, daß es, im Verhältnis zu seiner Rolle in der gesamten früheren Architektur tatsächlich als ein neuer Baustoff anzusehen ist.“ (Alfred Gotthold Meyer, 1907)

Mit dem Material Eisen wandeln sich Konstruktionsprinzipien und Ästhetik gleichermaßen. Am Beginn stand der Brückenbau – mit der englischen Coalbrookdale Bridge als einem der frühesten Beispiele und zugleich einer architektur- und technikgeschichtlichen Inkunabel, die zu den Untersuchungsobjekten des Seminars gehören wird. Im 19. Jahrhundert wirkte sich die Verwendung vorfabrizierter Bauteile prägend auf Gestalt und Gestaltung aus, wie beispielhaft der Chrystal Place in London, der uns zur temporären Weltausstellungsarchitektur führen wird, ebenso wie zwei zentrale Werke des Architekten Gustave Eiffels zeigen, das Viaducts von Garabit und der Eiffelturm in Paris, oder auch bei den Markthallen. Doch Eisen fand in seiner frühen Zeit auch dort Verwendung, wo es auf den ersten Blick – in der Außenansicht repräsentativer Großbauten wie Bahnhöfe, Warenhäuser oder auch Bibliotheken – nicht erkennbar ist. Nicht nur das Material war, das Zitat von Meyer erneut aufnehmend, noch „neu“; die Bauaufgaben, in denen es im 19. Jahrhundert Verwendung fand, waren es gleichermaßen. Und auch dort, wo es – etwa infolge der Verkleidung von eisernen Stützen – nicht sichtbar ist, ist seine Verwendung bei genauerer Analyse der Bauten erkennbar, da deren vornehmlich statische Eigenheiten ohne Verwendung dieses Baustoffs nicht realisierbar gewesen wären.

Mit der Eisenarchitektur sind Kunst- bzw. Architekturgeschichte und Technikgeschichte angesprochen: letzteres bei der Entwicklung des Materials vom Guss- zum Schmiedeeisen und später Schmiedestahl sowie in den Konstruktionsweisen. Zeitlich spannt sich der Bogen von der Mitte des 18. Jahrhunderts bis in unsere Gegenwart.

Zur Einführung:

-         Alfred Gotthold Meyer, Eisenbauten. Ihre Geschichte und Ästhetik, Esslingen 1907 / Neuausgabe Berlin 1997. (s. auch https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k852597p.image )

-         Christian Schädlich, Das Eisen in der Architektur des 19. Jahrhunderts, Aachen/Berlin 2015

Das Kolloquium richtet sich an Studierende des Masterstudiengangs Kunstwissenschaft, die ihre Masterarbeit in Absprache mit mir planen oder bereits angemeldet haben.

Das Bild ist allgegenwärtig als Stockphoto, Buchcover oder Flyer: eine Person mit Datenbrille auf dem Kopf steht für digitale Kunstgeschichte oder Digitalisierung in Museen. Tatsächlich gibt es in Museen eine Fülle an Anwendungen der VR-Technologie, und das schon seit Jahrzehnten. Mit Virtual Reality werden immersive Zeitreisen an historische Orte im Stadtraum, in nicht mehr existente Gebäude, oder auch in den Bildraum von Gemälden inszeniert, Technik und Natur werden als 3D Welten animiert oder vergrößert. Woher kommt die Faszination für immersive Technologie? Wie funktioniert sie, wozu wird sie eingesetzt? Im Seminar untersuchen wir die Geschichte des Mediums Virtual Reality und wie es in Museen eingesetzt wurde, auch unter Einbeziehung der langen Vorgeschichte der musealen Immersion in Dioramen und Stereoskopie im 19. Jahrhundert.

Einführende Literatur:

Maria Shehade und Theopisti Stylianou-Lambert, „Virtual Reality in Museums: Exploring the Experiences of Museum Professionals“, Applied Sciences 10 (11. Juni 2020)

Lukas Fuchsgruber, Soziale virtuelle Realität als zukünftige Museumstechnologie? In: Vigia, Zeitschrift für Technologie und Gesellschaft, Bd. 1, Nr. 1, 2022.

Dozentin: Livia Cardenas

Albrecht Dürer, Lucas Cranach d.Ä. und Hans Holbein d.J. stehen exemplarisch für eine Künstlergeneration, die um und nach 1500 für den Klerus, den Adel und das Bürgertum gleichermaßen tätig waren. So different wie diese Auftraggeber, so vielfältig sind die Medien und Sujets, die von Altarwerken, über Andachtsbilder, Porträts, mythologischen und allegorischen Themen bis hin zu Dekorationen reichen. Die Druckgraphik stellt dabei ein Medium dar, in dem sowohl Bekanntes bedient als auch mit Neuem experimentiert wurde und zugleich auf einen potentiell offenen Kunstmarkt ausgerichtet ist.

Anhand von ausgewählten Werken der drei Künstler nimmt die Lehrveranstaltung nicht nur verschiedene Bildgattungen und Medien in Blick, sondern auch die Rolle der Auftraggeber. Sie ist zugleich eine Einführung in die nordalpine Kunst um 1500.

Berlin war und ist nicht nur Projektions-, sondern auch Experimentier- und Exekutionsfläche für stadträumliche Herrschafts- und Machtansprüche verschiedenster Akteure. Die projektierten, verwirklichten oder behaupteten Strukturen gehen dabei über reine Zweckbauten und Versorgungssysteme weit hinaus und erlauben die Betrachtung der Stadt als solches als Kunstwerk. Die mittelalterliche Bürgerstadt, die frühneuzeitliche Residenz, die Kapitale zunächst eines zwischen Restauration und Moderne oszillierenden Kaiserreichs, danach einer in sich zerrissenen Republik und dann einer faschistischen Diktatur; zweifache Front-, Teil- und Symbolstadt und schließlich Hauptstadt der Bundesrepublik: Jede dieser Stadtidentitäten wurde durch urbanistische Maßnahmen bewusst geprägt – wie (un)vollendet, wie bekannt oder zum Klischee geronnen auch immer. Dabei ist eine anordnende und administrierende Obrigkeit keineswegs als einzige (geschweige denn überzeitlich gleichbleibende) Akteurin auszumachen: Konkurrierende gesellschaftliche Gruppen formten direkt und indirekt die urbane Gestalt Berlins mit.

Das Seminar, das auch als Exkursion angerechnet werden kann, ausgehend von den einschlägigen Texten und Plänen zur Berliner Stadtgeschichte, verfolgt zwei Ziele: Zunächst geht es darum, die nur im realen Stadtraum fassbare Wirkung der verschiedenen Stadtbaupolitiken nachzuvollziehen. Darauf aufbauend, erschließen und ergründen wir den Kunstcharakter dieser gebauten oder behaupteten Strukturen, fragen, mit welchen Mitteln der (Um-)Gestaltung von Natur und Architektur erfolgte, welche Rolle Vollendung, Zufall und Überlagerung dabei spiel(t)en, und wie gemachter und behaupteter Stadtraum in ihrer Wirkung korrelieren.

Die Exkursion findet vom 26. bis 30.09.23, jeweils 9 bis 20 Uhr (mit Pausen) statt.

Literatur zur Einführung: Felix Escher, Berlin und sein Umland. Zur Genese der Berliner Stadtlandschaft bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts, Berlin 1985; Ute Laur-Ernst, Die Stadt Berlin in der Druckgrafik 1570–1870, Bd. 2, Berlin 2009; Harald Bodenschatz, Städtebau in Berlin. Schreckbild und Vorbild für Europa,

2. Aufl., Berlin 2013; Helmut Engel, Wolfgang Ribbe (Hg.), Hauptstadt Berlin – wohin mit der Mitte? Historische, städtebauliche und architektonische Wurzeln des Stadtzentrums, Berlin 1993; Thomas Großbölting/Rüdiger Schmidt (Hg.), Gedachte Stadt – gebaute Stadt. Urbanität in der deutsch-deutschen Systemkonkurrenz 1945–1990, Köln 2015; Frank P. Jäger (Hg.), Berlin – Die Schönheit des Alltäglichen. Urbane Textur einer Großstadt, Berlin 2017

Berlin war und ist nicht nur Projektions-, sondern auch Experimentier- und Exekutionsfläche für stadträumliche Herrschafts- und Machtansprüche verschiedenster Akteure. Die projektierten, verwirklichten oder behaupteten Strukturen gehen dabei über reine Zweckbauten und Versorgungssysteme weit hinaus und erlauben die Betrachtung der Stadt als solches als Kunstwerk. Die mittelalterliche Bürgerstadt, die frühneuzeitliche Residenz, die Kapitale zunächst eines zwischen Restauration und Moderne oszillierenden Kaiserreichs, danach einer in sich zerrissenen Republik und dann einer faschistischen Diktatur; zweifache Front-, Teil- und Symbolstadt und schließlich Hauptstadt der Bundesrepublik: Jede dieser Stadtidentitäten wurde durch urbanistische Maßnahmen bewusst geprägt – wie (un)vollendet, wie bekannt oder zum Klischee geronnen auch immer. Dabei ist eine anordnende und administrierende Obrigkeit keineswegs als einzige (geschweige denn überzeitlich gleichbleibende) Akteurin auszumachen: Konkurrierende gesellschaftliche Gruppen formten direkt und indirekt die urbane Gestalt Berlins mit.

Das Seminar, das auch als Exkursion angerechnet werden kann, ausgehend von den einschlägigen Texten und Plänen zur Berliner Stadtgeschichte, verfolgt zwei Ziele: Zunächst geht es darum, die nur im realen Stadtraum fassbare Wirkung der verschiedenen Stadtbaupolitiken nachzuvollziehen. Darauf aufbauend, erschließen und ergründen wir den Kunstcharakter dieser gebauten oder behaupteten Strukturen, fragen, mit welchen Mitteln der (Um-)Gestaltung von Natur und Architektur erfolgte, welche Rolle Vollendung, Zufall und Überlagerung dabei spiel(t)en, und wie gemachter und behaupteter Stadtraum in ihrer Wirkung korrelieren.

Die Exkursion findet vom 26. bis 30.09.23, jeweils 9 bis 20 Uhr (mit Pausen) statt.

Literatur zur Einführung: Felix Escher, Berlin und sein Umland. Zur Genese der Berliner Stadtlandschaft bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts, Berlin 1985; Ute Laur-Ernst, Die Stadt Berlin in der Druckgrafik 1570–1870, Bd. 2, Berlin 2009; Harald Bodenschatz, Städtebau in Berlin. Schreckbild und Vorbild für Europa,

2. Aufl., Berlin 2013; Helmut Engel, Wolfgang Ribbe (Hg.), Hauptstadt Berlin – wohin mit der Mitte? Historische, städtebauliche und architektonische Wurzeln des Stadtzentrums, Berlin 1993; Thomas Großbölting/Rüdiger Schmidt (Hg.), Gedachte Stadt – gebaute Stadt. Urbanität in der deutsch-deutschen Systemkonkurrenz 1945–1990, Köln 2015; Frank P. Jäger (Hg.), Berlin – Die Schönheit des Alltäglichen. Urbane Textur einer Großstadt, Berlin 2017

Grundlage der als vertiefendes Methodenseminar angelegten Veranstaltung ist der zweite Band von „Kanon Kunstgeschichte“ (hg. v. Kristin Marek und Martin Schulz, Paderborn 2015), einer „Einführungsreihe mit monographischen Beiträgen zu einzelnen Kunstwerken, die beispielhaft für eine bestimmte historische Situation und künstlerische Position, für methodische Fragen wie für theoretische Analysen stehen“ (Klappentext). Anhand der Artikel des Bandes, die Werke von Donatello bis Jean-Siméon Chardin behandeln, blicken wir zum einen auf die (europäische bzw. europäisch geprägte) Kunstgeschichte der Neuzeit. Zum anderen vollziehen wir die darin präsentierten unterschiedlichen Forschungsansätze und Sachverhalte nach: Wie nähern sich die Forscher:innen wissenschaftlich einem Thema, einem Kunstwerk, einer Person? Welche Fragen werden verfolgt, welche Quellen und welche Literatur werden herangezogen, und wie werden sie in die Darstellung einbezogen? Was wird vorausgesetzt, was sind Fakten, was sind Thesen? Welche Grenzen oder Probleme zeigen sich an den Artikeln? Wie ist schließlich das auch von den Herausgeber:innen hinterfragte Konzept des „Kanons“ zu verstehen und zu bewerten? Ziel des Seminars ist es, Orientierung im Studium der Kunstgeschichte zu geben, inhaltlich wie methodisch, und dabei an eigenständiges wissenschaftliches Arbeiten heranzuführen.

Literatur zur Einführung: Kristin Marek, Martin Schulz (Hg.), Kanon Kunstgeschichte: Einführung in Werke, Methoden und Epochen, Bd. 2: Neuzeit, Paderborn 2015; Ulrich Pfisterer, Kunstgeschichte zur Einführung, Hamburg 2020; Katja Lembke, Ikonen der Kunst – und wie sie zu dem wurden, was sie heute sind, München/London/New York 2021; Hans Belting u.a. (Hg.), Kunstgeschichte. Eine Einführung, 5. Aufl., Berlin 1996; Werner Busch (Hg.), Funkkolleg Kunst. Eine Geschichte der Kunst im Wandel ihrer Funktionen, 2. Aufl., München/Zürich 1997

Die Kunstgeschichte wendet sich wieder vermehrt ökonomischen, politischen und sozialen Fragen zu. Wenig wird sich in der deutschsprachigen Literatur dabei auf die Ansätze marxistischer Kunstgeschichte bezogen, ein bisschen anders sieht es zum Beispiel in der englischsprachigen Kunstgeschichte aus, wo immer noch umfangreicher in diesem Bereich publiziert wird.

Wie ist die Geschichte dieser Richtung der Kunstgeschichte, welche Entwicklungen nahm sie international und im deutschsprachigen Raum? Das Seminar wird chronologisch die Geschichte marxistischer Kunstgeschichte an exemplarischen Personen, Theorien und bezogen auf die behandelten Kunstwerken erkunden. Wir werden uns im Besonderen fragen, was die Positionen marxistischer Kunstgeschichte zum Kunstmarkt, zu Museen, zum Verhältnis Kunst und Gesellschaft und zur Rolle der Kunstgeschichte als Fach waren.

Einführende Literatur:

Larne Abse Gogarty und Andrew Hemingway, Hrsg., Keywords for Marxist Art History Today, 1. Auflage, Kunst Und Politik, Band 21 (2019) (Göttingen: V&R Unipress, 2019)

Andrew Hemingway, Hrsg., Marxism and the history of art: from William Morris to the New Left, Marxism and culture (London ; Ann Arbor, MI: Pluto, 2006).

Beginnend mit den sozialen Bewegungen der 1970er Jahre werden wir uns im Seminar historischen Momenten nähern, in denen zivilgesellschaftliches Engagement und das Machen von beziehungsweise das Nachdenken über Kunst aufeinandergetroffen sind. In der Auseinandersetzung mit feministischer, gesundheitspolitischer und anti/dekolonialer Kritik wollen wir uns anschauen, wie Künstler:innnen zur Entwicklung aktivistischer Methoden beigetragen haben und wann aktivistische Dokumente auch als Kunst wahrgenommen worden sind.

Seminarteilnehmer:innen sollten sich im Umgang mit englischsprachiger Forschungsliteratur sicher fühlen.

Die meisten Bildwerke des Mittelalters und der Neuzeit stellen religiöse Themen dar; ihnen liegen biblische und apokryphe Texte, aber auch patristische Schriften, Mediationsliteratur, Heiligenlegenden und Wundererzählungen zugrunde. Allerdings wurden die Texte in den wenigsten Fällen „illustriert“, schließlich bot die Visualisierung die Möglichkeit, einzelne Aspekte der Heilsgeschichte vorzuführen, allegorische Sinnschichten zu thematisieren oder die Darstellungen mit lokalen Bezügen anzureichern. Nicht immer sind die Bildwerke schlüssig zu deuten; oft operieren sie mit mehreren Sinnschichten. Diese Mehrdimensionalität macht die Beschäftigung mit komplexeren ikonographischen Konzepten zu einer spannenden Expedition in eine uns fremdgewordene Welt: Es gilt, sich mit den Texten auseinanderzusetzen, die Diskussion in der Forschung nachzuvollziehen, unterschiedliche Möglichkeiten der Deutung gegeneinander abzuwägen und dann eigene Schlüsse zu ziehen. Zugleich geht es darum, das Verhältnis von Text und Bild und mit ihm die „Lesbarkeit“ der Bilder kritisch zu reflektieren.

Die Heilig-Blut-Kirche St. Nikolaus im heute verschlafen anmutenden Städtchen Bad Wilsnack in der Prignitz gehört zu den bedeutendsten mittelalterlichen Baudenkmälern Brandenburgs. Nachdem man in der in Folge einer Brandschatzung im August 1383 zerstörten Kirche im damaligen Dorf Wilsnack drei unversehrte, blutende Hostien fand, entwickelte sich der Ort rasch für über 140 Jahre zu einem Wallfahrtsziel mit Zulauf von Pilger:innen aus ganz Europa. Diese Entwicklung des zeitweise sogar als „Santiago des Nordens“ bezeichneten Ortes sowie die Dimensionen der Fahrt zum Wunderblut spiegeln sich in dem rasch begonnenen Wiederaufbau des Kirchengebäudes sowie in seiner sukzessiven Erweiterung und in der von namhaften Stifter:innen, darunter das luxemburgische Herrscherhaus, brandenburgische und sächsische Kurfürsten, König Christian I. von Dänemark und niederländische Adlige, gespendeten, ursprünglich reichen Ausstattung. Von dieser künden heute noch der zur Aufbewahrung der wundersamen Hostien errichtete Wunderblutschrein, ein in großen Teilen erhaltenes Ensemble von Glasmalereien, verschiedene Stein- und Holzskulpturen, das heute als Hochaltar positionierte Kompositretabel und einige Reste einst monumentaler Wandmalereien. Zahlreiche weitere Quellen verschiedenster Gattungen belegen die Faszination des ‘Wilsnacklaufens’ und erlauben, ein Verständnis des einstigen Aussehens der Kirche zu entwickeln, darunter historische Schriftstücke wie Urkunden, Chroniken, Reiseberichte, Testamente und Beschreibungen des Baus, sowie darüber hinaus bildliche Zeugnisse, unter ihnen Darstellungen von Wilsnackpilger:innen, Flugblätter zur Verbreitung der Hostienlegende, Funde von Pilgerzeichen und weitere bauliche Zeugnisse in der historischen Mark Brandenburg, die mitunter als Filial-Wallfahrtsorte zu Wilsnack fungierten.

Das Seminar möchte in das Thema der christlichen mittelalterlichen Wallfahrt einführen und anhand des Beispiels der Wilsnacker Nikolaikirche Zusammenhänge zwischen verehrtem Kult, Bau und Ausstattung, deren liturgischer und prozessionaler Nutzung sowie Stifter:innen aufzeigen. Die Bau- und Ausstattungsgeschichte soll im Spiegel des Wallfahrtsgeschehens und der bereits zügig nach Beginn der Wilsnackfahrt einsetzenden Kritik am Wunderblut – neben dem Magdeburger Domherrn Hinrich Tocke und einem päpstlichen Verbot der Anbetung des Wunderbluts wetterte vor allem Jan Hus gegen den vermeintlich auf Legenden und betrügerischen Wundern beruhenden Wilsnacker Kult, lange bevor die Reformatoren Luther und Melanchthon die Wilsnacker Wallfahrt als ‘Götzendienst’ bezeichneten – rekonstruiert werden. Teils bisher in der Forschung noch wenig beachtete Ausstattungsstücke werden objektmonografisch untersucht. Anschließend wollen wir anhand eines bereits vorhandenen prototypischen 3D-Modells des Chorbereichs der Kirche ein Konzept zur digitalen Erschließung eines solchen Wallfahrtsortes, insbesondere in Hinblick auf seine Bildprogramme, baulichen Veränderungen und praktische Nutzung, partiell erarbeiten.

Aufgrund der breitgefächerten Zusammensetzung des Seminars aus regulären wöchentlichen Sitzungen, Blockterminen sowie mehreren ganztägigen Exkursionen in Berlin und Bad Wilsnack ist die Veranstaltung in der Summe auf 4 SWS angelegt. Mit der Beteiligung am Seminar können folglich zwei Modulbestandteile (innerhalb der angegebenen Module) absolviert werden. Die Teilnahme ist aufgrund der Ortstermine auf 15 Plätze beschränkt. Die Termine werden in Absprache mit den Studierenden zu Beginn des Semesters festgelegt.

Einführende Literatur

Ernst Breest: Das Wunderblut von Wilsnack (1383–1552). Quellenmäßige Darstellung seiner Geschichte, in: Verein für Geschichte der Mark Brandenburg (Hrsg.): Märkische Forschungen, Bd. 16, Berlin 1881, S. 131–302.

Corpus Vitrearum Medii Aevi Deutschland (Hrsg.): Bad Wilsnack, St. Nikolaus, in: Mittelalterliche Glasmalereien im Kontext [https://corpusvitrearum.de/glasmalerei-im-kontext.html].

Folkhard Cremer: Die St.-Nikolaus-und-Heiligblut-Kirche zu Wilsnack (1383 - 1552). Eine Einordnung ihrer Bauformen in die Kirchenarchitektur zwischen Verden und Chorin, Doberan und Meißen im Spiegel bischöflicher und landesherrlicher Auseinandersetzungen (= Beiträge zur Kunstwissenschaft, Bd. 63, 1/2), 2 Bde., München 1996 (Marburg Univ. Diss. 1994). 

Felix Escher u. a. (Hrsg.): Die Wilsnackfahrt. Ein Wallfahrts- und Kommunikationszentrum Nord- und Mitteleuropas im Spätmittelalter (= Europäische Wallfahrtsstudien, Bd. 2), Frankfurt am Main u. a. 2006.

Volker Honemann: Art. Wilsnacker Wunderblut, in: Burghart Wachinger u. a. (Hrsg.): Die deutsche Literatur des Mittelalters. Verfasserlexikon, Bd. 10, 2. völlig neu bearb. Aufl., Berlin u. a. 1999 (1. Aufl. 1933–1955), Sp. 1171-1178.

Hartmut Kühne u. a.: Art. Wallfahrt/Wallfahrtswesen, in: Theologische Realenzyklopädie, Bd. 35, Berlin u. a. 2003, S. 408–435.

Hartmut Kühne u. a. (Hrsg.): Wunder, Wallfahrt, Widersacher. Die Wilsnackfahrt, Regensburg 2005.

Hartmut Kühne u. a. (Hrsg.): Andacht oder Abenteuer. Von der Wilsnackfahrt im Spätmittelalter zu Reiselust und Reisefrust in der Frühen Neuzeit (= Jakobus-Studien, Bd. 23), Tübingen 2020.

Hartmut Kühne u. a. (Hrsg.): Pilgerspuren. Von Lüneburg bis an das Ende der Welt. Wege in den Himmel (= Pilgerspuren – Orte, Wege, Zeichen), Ausst.-Kat., Museum Lüneburg und Museum Schwedenspeicher in Stade 2020, Petersberg 2020.

Paris, nach Walter Benjamin die »Hauptstadt des 19. Jahrhunderts«, brachte die künstlerische Moderne hervor und mit dem Dichter Charles Baudelaire auch ihren ersten Theoretiker. Zwischen 1845 und 1863 veröffentlichte Baudelaire Salonkritiken und Essays, die um die Frage der modernité kreisen, um »die transitorische, flüchtige Schönheit unseres gegenwärtigen Lebens« und ihrer bildlichen Darstellung. Dass Baudelaire keine kohärente Ästhetik präsentierte und einen Schlüsseltext wie Le peintre de la vie moderne 1863 nicht über Édouard Manet verfasste, sondern über den längst vergessenen Constantin Guys, nimmt diesen Reflexionen über Zeitgenossenschaft, Malerei und Fotografie nicht ihre Bedeutung. Auf die von Baudelaire aufgeworfene Frage der Modernität stellte wenige Jahre später vielmehr das, was als Impressionismus in die Kunstgeschichte eingehen sollte, die bis dahin konsequenteste Antwort dar.

Eine Auswahl Schriften Baudelaires über Malerei, Mode und Fotografie soll im Seminar in die Genese der künstlerischen Moderne einführen. Wie das rapide wachsende, unter Napoleon III. brachial umgestaltete Paris durchlief die Malerei zwischen Klassizismus, Romantik und Impressionismus Entwicklungen, mit deren Exponenten Baudelaire fast durchweg persönlich bekannt war – mit Gustave Courbet und Henri Fantin-Latour, dem Radierer Charles Meryon, dem Fotografen Nadar und Félicien Rops als einem frühen Symbolisten, vor allem aber mit Manet, der in diesem Zusammenhang zentralen Figur. 

Vorausgesetzt wird eine gewisse Bereitschaft zur Lektüre; Französischkenntnisse sind hilfreich, aber Baudelaire liegt in Übersetzung vor. Ein Sitzungstermin soll in der Alten Nationalgalerie vor Originalen stattfinden.

Ausgewählte Literatur: L’Oeil de Baudelaire, Ausst.-Kat. Paris, Musée de la Vie romantique, Paris 2016; Hubertus Gaßner und Viola Hildebrand-Schat (Hrsg.), Manet. Sehen. Der Blick der Moderne, Ausst.-Kat. Hamburg, Hamburger Kunsthalle, Petersberg 2016; Pierre Bourdieu, Manet. Eine symbolische Revolution, Frankfurt a. M. 2015; Jonas Beyer, Im Banne des Dunkels. Charles Baudelaire und die französische Radierbewegung, Hamburg 2012; Christophe Léribault (Hrsg.), Fantin-Latour, Manet, Baudelaire. L’Hommage à Delacroix, Paris 2011; Karin Westerwelle, Einleitung, in: dies. (Hrsg.), Charles Baudelaire. Dichter und Kunstkritiker, Würzburg 2007, S. 9–26; Wolfgang Drost, Baudelaire und die Kunstkritik, in: Karin Westerwelle (Hrsg.), Charles Baudelaire. Dichter und Kunstkritiker, Würzburg 2007, S. 189–210; Hans Körner, Édouard Manet. Dandy, Flaneur, Maler, München Fink, 1996; Charles Baudelaire, Sämtliche Werke/Briefe, hrsg. von Friedhelm Kemp und Claude Pichois, 8 Bde., München/Wien 1977–1992; Walter Benjamin, Das Paris des Second Empire bei Charles Baudelaire [1939], in: ders., Charles Baudelaire. Ein Lyriker im Zeitalter des Hochkapitalismus, Frankfurt a. M. 1974, S. 7–100

Scheinbar selbstverständlich, zumindest halb verinnerlicht, zuweilen lästig oder frustrierend, oft gefühlt auch ohne greifbare Grundlage – das wissenschaftliche Arbeiten, mit anderen Worten: das Studieren selbst steht im Mittelpunkt dieses Projektseminars. Der zuletzt 2020 überarbeitete „Leitfaden“ des Fachgebiets Kunstgeschichte der TU Berlin ist Ausgangspunkt und Grundlage: Wie bibliografiere ich, erarbeite ich ein Referat, lege ich eine Hausarbeit an? Wie baue ich mein Studium auf, worauf muss ich achten, was sollte ich besser früher als später darüber erfahren? Wo finde ich geeignete Literatur, Quellen, Bildmaterial? Wie gehe ich mit dem Internet um, was das Studium betrifft?

Ziel ist es, gut nachvollziehbare, übersichtliche, fundierte und ansprechend aufbereitete Anleitungen, Hilfestellungen und Tipps fürs Studium zusammenzustellen, die für Studienanfänger ein Ausgangspunkt, für fortgeschrittene Studierende ein nützliches Nachschlagewerk sein können.

Vorgaben und Erwartungen von Dozent:innen und Prüfer:innen gehen auseinander. Was ist verbindliche Grundlage, was ist zulässige und erwünschte methodische Breite? Es gibt eine schwer überblickbare Landschaft von Leitfäden und Ratgebern. Was hat sich bewährt, worauf lohnt es sich zu konzentrieren, wo liegen besondere Probleme?

Das Seminar hat daher den Charakter einer Recherche-, Diskussions- und Schreibwerkstatt, in der nicht nur die Methodenkenntnis geschärft, sondern auch das individuelle Selbstverständnis als Studierende:r reflektiert werden kann. Für die abschließende Redaktion des überarbeiteten Leitfadens sind drei Projekttage vorgesehen, die als eine zusätzliche SWS in den Studienplan eingebracht werden können.

Literatur zur Einführung: Norbert Franck, Handbuch wissenschaftliches Arbeiten. Was man für ein erfolgreiches Studium wissen und können muss, Paderborn 2017; Manuel René Theisen, Wissenschaftliches Arbeiten. Erfolgreich bei Bachelor- und Masterarbeit, 18. Aufl., München 2021; Institut für Kunst- und Bildgeschichte der Humboldt-Universität zu Berlin, Leitfaden – Empfehlungen für das wissenschaftliche Arbeiten, 2. Aufl., Berlin 2015; Institut für Kunstgeschichte

Ludwig-Maximilians-Universität München, Leitfaden zum wissenschaftlichen Arbeiten im Fach Kunstgeschichte, München 2021

Architekturgeschichte und Denkmalpflege sind gleichermaßen angesprochen bei den zumeist emotional geführten fachinternen und öffentlichen Diskussionen über die „Rekonstruktion“. In Berlin stehen die Bauakademie und das Humboldtforum im Zentrum der Debatte – doch nicht erst in Berlin, wie schon der Heidelberger Schlossstreit um 1900 belegt, an dem führende Kunsthistoriker und Denkmalpfleger wie Georg Dehio und Cornelius Gurlitt beteiligt waren. Lüge, Kulisse, Kopie, Attrappenkult sind Begriffe, die im Kontext der Rekonstruktionsdebatten fallen. Ebenso aber auch Authentizität und Identität. Eines der beiden Ziele des Seminars ist es, anhand ausgewählter Texte die Argumente und Argumentationslinien innerhalb der Debatten nachzuvollziehen und kritisch zu reflektieren.

Darüber hinaus beschäftigt sich das Seminar mit der Visualisierung des Verlorenen, also der digitalen Rekonstruktion. Welchen Nutzen haben 3-D-Rekonstruktionen, in denen Schrift- und Bildwissen fusionieren, für die kunsthistorische Gebäudeanalyse? Welche Chancen und Grenzen zeigen sich bei ihrer Verwendung im Rahmen wissenschaftlicher Untersuchungen? Wecken sie Begehrlichkeiten, Verlorenes nachzubauen oder befriedigen sie diese und tragen dazu bei, Rekonstruktionen entbehrlich erscheinen zu lassen? Anhand ausgewählter Beispiele, zu denen als einer der frühen Rekonstruktionsprojekte die Klosterkirche Cluny III als mit der Französischen Revolution verloren gegangener Großbau gehört, sollen Voraussetzungen, Bedingungen und wissenschaftlicher Nutzen digitaler Rekonstruktionen untersucht werden.

Renaissance, Revival, Rekurs: Die Hinterlassenschaften der griechischen und römischen Antike – in Literatur, Architektur und bildender Kunst – sind zentrale Referenzpunkte, wenn nicht gar Grundlage der neuzeitlichen europäischen Kunst und Kunstgeschichte. Im Seminar untersuchen wir diese einerseits kontinuierliche, andererseits differenzierte Bezugnahme und Adaption genauer: Welche Texte, welche Kunstwerke der Antike waren besonders prägsam? Auf welche Ideen, Geschichten und Gegenstände bezogen sich Künstler und Auftraggeber genau, und mit welcher Begründung? Welche Rolle spielten Philosophie und Literatur neben und zusammen mit Form- und Bildmotiven? Wie veränderte sich der Blick auf die Antike in den wechselnden Epochen, in verschiedenen Regionen? Der Fokus des Seminars richtet sich auf Skulptur, Historien- und Dekorationsmalerei, Keramik und weitere angewandte Künste, von der italienischen Renaissance über die Rückgriffe im Frankreich des 17., im England des 18. und in den deutschen Staaten des 19. Jahrhunderts. Exemplarisch werden Kunstwerke, Quellen und Literatur untersucht, mit dem Ziel: zum einen Kenntnisse der antiken Kunst im Spiegel der Neuzeit zu gewinnen und zu vertiefen, zum anderen die Werk- und Quellenanalyse sowie das Fokussieren von Forschungsfragen zu üben.

Literatur zur Einführung: Karlheinz Töchterle, s. v. Antikenrezeption, in: Helmut Reinalter (Hg.), Lexikon der Geisteswissenschaften, Köln/Weimar/Wien 2011, S. 9–14; Elke Stein-Hölkeskamp, Karl-Joachim Hölkeskamp (Hg.), Erinnerungsorte der Antike, München 2006 (Die römische Welt)/2010 (Die griechische Welt); Susanne Muth (Hg.), Laokoon. Auf der Suche nach einem Meisterwerk (Ausst.-Kat. Berlin, Humboldt-Universität), Rahden 2017; Valentin Kockel/ Daniel Graepler (Hg.), Daktyliotheken: Götter & Caesaren aus der Schublade. Antike Gemmen in Abdrucksammlungen des 18. Jahrhunderts, München 2006; Annette Brunner (Hg.), Renaissancen. Antikenrezeption in der angewandten Kunst des 15. bis 19. Jahrhunderts (Ausst.-Kat. Hannover, Kestner-Museum), Hannover 2003; Erwin Panofsky, Die Renaissancen der europäischen Kunst, Frankfurt a. M. 1979 (engl. Erstausg. 1960), S. 167–215 (Renaissance der Antike: Das 15. Jahrhundert); Vinzenz Brinkmann (Hg.), Zurück zur Klassik. Ein neuer Blick auf das alte Griechenland (Ausst.-Kat. Frankfurt a. M., Liebighaus), München 2013

„At first, people started calling us performance artists because that was very trendy. And then they called us video artists. Then, much later, when we moved to New York, they called us AIDS artists.”

(AA Bronson im Interview mit Purple Magazine, online at https://purple.fr/magazine/317827-autosave-v1/cover-2-aa-bronson/ | zuletzt abgerufen am 3.3.2023)

Unter dem generischen Label General Idea machten AA Bronson, Felix Partz und Jorge Zontal von 1969 bis 1994 gemeinsam Kunst. Das Œuvre der in Toronto beheimateten und Mitte der 1980er nach New York City übergesiedelten Künstlergruppe strotzt vor queerem Humor und popkulturellen Verweisen. Beständig unterwanderten sie gängige Mechanismen der Kunstwelt und widersetzten sich einschlägigen Kategorisierungen. Im vergangenen Sommer präsentierte die National Gallery of Canada das augenzwinkernde Vermächtnis von General Idea in einer umfassenden Retrospektive. Die in enger Zusammenarbeit mit AA Bronson von Adam Welch und Beatrix Ruf kuratierte Ausstellung wird ab September im Berliner Gropius Bau zu sehen sein.

Im Projektseminar werden wir uns dem Schaffen von General Idea anhand zentraler Motive und wiederkehrender Strategien nähern, um gemeinsam Formate für das Rahmenprogramm der Ausstellung zu entwickeln. Der Kurs ist auf 15 Teilnehmer:innen beschränkt. Ein sicherer Umgang mit englischsprachiger Forschungsliteratur und Freude an intensiver Gruppenarbeit wird vorausgesetzt. Die Seminarsitzungen finden in unregelmäßigen Abständen donnerstags zwischen 16 und 20 Uhr im Institut und vor Ort im Gropius Bau statt. Ein gemeinsamer Ausstellungsbesuch Ende September und die Durchführung der erarbeiteten Formate im Herbst sind Teil der Seminarleistung.

Entstanden im frühen 20. Jahrhundert in Deutschland, etablierte sich der Expressionismus bald als nationale, moderne Bewegung. Mit dem Aufkommen des Nationalsozialismus wurde er jedoch zunehmend als „entartet“ diffamiert. Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs trugen verschiedenste Akteure der Kunstgeschichte, der Medien, des Kunstmarkts, des Museums- und Ausstellungsbetriebs zur umfassenden Rehabilitierung der expressionistischen Kunst bei.

Im Zuge der Öffnung kunsthistorischer Forschung für kritische Theorien und der historischen Aufarbeitung von deutschem Faschismus und Kolonialvergangenheit sind weithin akzeptierte Narrative über expressionistische Kunst mittlerweile infrage gestellt worden. Davon zeugen auch laufende Berliner Ausstellungen in der Neuen Nationalgalerie und im Brücke-Museum sowie das für Anfang Juni 2023 geplante Symposium Expressionism Revisited: Neue Forschungsansätze und Fragestellungen (Brücke-Museum). Im Rahmen dieser Veranstaltungen führt das Seminar in den Expressionismus ein. Wir wollen die Handlungsspielräume der Künstler im Nationalsozialismus, ihre Situation zwischen Anerkennung und „Verfemung“ sowie das Schicksal der Werke erörtern. Außerdem gilt es die Verflechtungen zwischen Expressionismus und Kolonialismus zu behandeln, in dessen Kontext die Rezeption nichtwestlicher Kulturen ein wesentlicher Bestandteil der künstlerischen Erneuerung war. Aus einer feministischen Perspektive soll schließlich nach der Darstellung von Frauen, dem Umgang mit minderjährigen Modellen und der Präsenz von Künstlerinnen in der Geschichte des Expressionismus gefragt werden.

Besuche:

·        Ausstellung, Brücke-Museum: „1905: Fritz Bleyl und der Beginn der Brücke“ 11.02.2023 bis 04.06.2023

·        Ausstellung, Neue Nationalgalerie: „Die Kunst der Gesellschaft 1900–1945. Sammlung der Nationalgalerie“ 22.08.2021 bis 02.07.2023

·        Symposium, Brücke-Museum: „Expressionism Revisited: Neue Forschungsansätze und Fragestellungen“ 1.-3.06.2023 (die Teilnahme an der gesamten Veranstaltung wird vorausgesetzt)

Empfehlung:

·        Gespräch, Neue Nationalgalerie: FREMDHEIT, Eric Otieno Sumba im Gespräch mit Alice Hasters und Aya Soika, Mi 07.06.2023 19:00 - 22:00 Uhr

Einführende Literatur

Flucht in die Bilder?: Die Künstler der Brücke im Nationalsozialismus, hrsg. von Meike Hoffmann, Lisa Marei Schmidt und Aya Soika, Ausst. Kat. Brücke-Museum Berlin, München 2019; Kirchner and Nolde: Expressionism, Colonialism, hrsg. von Sophie Tates, Ausst. Kat. SMK National Gallery of Denmark Copenhagen, Stedelijk Museum Amsterdam, Brücke-Museum Berlin, München 2021; Brücke und Blauer Reiter, hrsg. von Frédéric Bußmann, Roland Mönig, Daniel J. Schreiber, Ausst.Kat. Von der Heydt-Museum, Wuppertal, Kunstsammlungen Chemnitz, Buchheim Museum der Phantasie, Bernried am Starnberger See, Köln 2021; Sturm-Frauen: Künstlerinnen der Avantgarde in Berlin 1910-1932, hrsg. von Ingrid Pfeiffer und Max Hollein, Ausst. Kat. Schirn Kunsthalle Frankfurt, Köln 2015.

Das Seminar ist aufgrund der Vor-Ort-Termine auf 20 Teilnehmende begrenzt. Die Anmeldung erfolgt über ISIS.

Die Heilig-Blut-Kirche St. Nikolaus im heute verschlafen anmutenden Städtchen Bad Wilsnack in der Prignitz gehört zu den bedeutendsten mittelalterlichen Baudenkmälern Brandenburgs. Nachdem man in der in Folge einer Brandschatzung im August 1383 zerstörten Kirche im damaligen Dorf Wilsnack drei unversehrte, blutende Hostien fand, entwickelte sich der Ort rasch für über 140 Jahre zu einem Wallfahrtsziel mit Zulauf von Pilger:innen aus ganz Europa. Diese Entwicklung des zeitweise sogar als „Santiago des Nordens“ bezeichneten Ortes sowie die Dimensionen der Fahrt zum Wunderblut spiegeln sich in dem rasch begonnenen Wiederaufbau des Kirchengebäudes sowie in seiner sukzessiven Erweiterung und in der von namhaften Stifter:innen, darunter das luxemburgische Herrscherhaus, brandenburgische und sächsische Kurfürsten, König Christian I. von Dänemark und niederländische Adlige, gespendeten, ursprünglich reichen Ausstattung. Von dieser künden heute noch der zur Aufbewahrung der wundersamen Hostien errichtete Wunderblutschrein, ein in großen Teilen erhaltenes Ensemble von Glasmalereien, verschiedene Stein- und Holzskulpturen, das heute als Hochaltar positionierte Kompositretabel und einige Reste einst monumentaler Wandmalereien. Zahlreiche weitere Quellen verschiedenster Gattungen belegen die Faszination des ‘Wilsnacklaufens’ und erlauben, ein Verständnis des einstigen Aussehens der Kirche zu entwickeln, darunter historische Schriftstücke wie Urkunden, Chroniken, Reiseberichte, Testamente und Beschreibungen des Baus, sowie darüber hinaus bildliche Zeugnisse, unter ihnen Darstellungen von Wilsnackpilger:innen, Flugblätter zur Verbreitung der Hostienlegende, Funde von Pilgerzeichen und weitere bauliche Zeugnisse in der historischen Mark Brandenburg, die mitunter als Filial-Wallfahrtsorte zu Wilsnack fungierten.

Das Seminar möchte in das Thema der christlichen mittelalterlichen Wallfahrt einführen und anhand des Beispiels der Wilsnacker Nikolaikirche Zusammenhänge zwischen verehrtem Kult, Bau und Ausstattung, deren liturgischer und prozessionaler Nutzung sowie Stifter:innen aufzeigen. Die Bau- und Ausstattungsgeschichte soll im Spiegel des Wallfahrtsgeschehens und der bereits zügig nach Beginn der Wilsnackfahrt einsetzenden Kritik am Wunderblut – neben dem Magdeburger Domherrn Hinrich Tocke und einem päpstlichen Verbot der Anbetung des Wunderbluts wetterte vor allem Jan Hus gegen den vermeintlich auf Legenden und betrügerischen Wundern beruhenden Wilsnacker Kult, lange bevor die Reformatoren Luther und Melanchthon die Wilsnacker Wallfahrt als ‘Götzendienst’ bezeichneten – rekonstruiert werden. Teils bisher in der Forschung noch wenig beachtete Ausstattungsstücke werden objektmonografisch untersucht. Anschließend wollen wir anhand eines bereits vorhandenen prototypischen 3D-Modells des Chorbereichs der Kirche ein Konzept zur digitalen Erschließung eines solchen Wallfahrtsortes, insbesondere in Hinblick auf seine Bildprogramme, baulichen Veränderungen und praktische Nutzung, partiell erarbeiten.

Aufgrund der breitgefächerten Zusammensetzung des Seminars aus regulären wöchentlichen Sitzungen, Blockterminen sowie mehreren ganztägigen Exkursionen in Berlin und Bad Wilsnack ist die Veranstaltung in der Summe auf 4 SWS angelegt. Mit der Beteiligung am Seminar können folglich zwei Modulbestandteile (innerhalb der angegebenen Module) absolviert werden. Die Teilnahme ist aufgrund der Ortstermine auf 15 Plätze beschränkt. Die Termine werden in Absprache mit den Studierenden zu Beginn des Semesters festgelegt.

Einführende Literatur

Ernst Breest: Das Wunderblut von Wilsnack (1383–1552). Quellenmäßige Darstellung seiner Geschichte, in: Verein für Geschichte der Mark Brandenburg (Hrsg.): Märkische Forschungen, Bd. 16, Berlin 1881, S. 131–302.

Corpus Vitrearum Medii Aevi Deutschland (Hrsg.): Bad Wilsnack, St. Nikolaus, in: Mittelalterliche Glasmalereien im Kontext [https://corpusvitrearum.de/glasmalerei-im-kontext.html].

Folkhard Cremer: Die St.-Nikolaus-und-Heiligblut-Kirche zu Wilsnack (1383 - 1552). Eine Einordnung ihrer Bauformen in die Kirchenarchitektur zwischen Verden und Chorin, Doberan und Meißen im Spiegel bischöflicher und landesherrlicher Auseinandersetzungen (= Beiträge zur Kunstwissenschaft, Bd. 63, 1/2), 2 Bde., München 1996 (Marburg Univ. Diss. 1994). 

Felix Escher u. a. (Hrsg.): Die Wilsnackfahrt. Ein Wallfahrts- und Kommunikationszentrum Nord- und Mitteleuropas im Spätmittelalter (= Europäische Wallfahrtsstudien, Bd. 2), Frankfurt am Main u. a. 2006.

Volker Honemann: Art. Wilsnacker Wunderblut, in: Burghart Wachinger u. a. (Hrsg.): Die deutsche Literatur des Mittelalters. Verfasserlexikon, Bd. 10, 2. völlig neu bearb. Aufl., Berlin u. a. 1999 (1. Aufl. 1933–1955), Sp. 1171-1178.

Hartmut Kühne u. a.: Art. Wallfahrt/Wallfahrtswesen, in: Theologische Realenzyklopädie, Bd. 35, Berlin u. a. 2003, S. 408–435.

Hartmut Kühne u. a. (Hrsg.): Wunder, Wallfahrt, Widersacher. Die Wilsnackfahrt, Regensburg 2005.

Hartmut Kühne u. a. (Hrsg.): Andacht oder Abenteuer. Von der Wilsnackfahrt im Spätmittelalter zu Reiselust und Reisefrust in der Frühen Neuzeit (= Jakobus-Studien, Bd. 23), Tübingen 2020.

Hartmut Kühne u. a. (Hrsg.): Pilgerspuren. Von Lüneburg bis an das Ende der Welt. Wege in den Himmel (= Pilgerspuren – Orte, Wege, Zeichen), Ausst.-Kat., Museum Lüneburg und Museum Schwedenspeicher in Stade 2020, Petersberg 2020.